A la sortie de la salle, Jean-Baptiste Thoret, Nicole Brenez et autres spécialistes du cinéma de genre américain, louaient tous le dernier film de Michael Mann, propulsé blockbuster de l’été. Pas désagréable, long mais tendu, Miami Vice vaut surtout pour ses scènes d’action. Je me demandais déjà pendant le braquage de Heat comment les détonations pouvaient avoir un son si brutal, si proche. Tournées en HD, les images impressionnent, donnent à voir l’immédiateté de l’action et s’inscrivent à mi-chemin entre le reality show des polices américaines et le pur documentaire.

Le plus frappant, c’est la tendance qu’a Mann de faire de ses acteurs de vrais héros modernes, et ainsi de faire basculer son récit vers la tragédie antique. Dans une des dernières scènes, Gong Li, déifiée par un coucher de soleil, s’éloigne sur son bateau le cœur brisé. Colin Farrell rentre quant à lui à l’hôpital pour y retrouver ses proches, retour au foyer attendu, plan très fordien qui vient conclure le film.

Le point le plus faible reste la relation sentimentale entre ces deux-là. Quand Gong Li en femme d’affaires mafieuse finit par céder comme une collégienne au charme de Colin Farrell, on n’y croit tout simplement pas. Il faut alors fermer les yeux sur leur idylle grotesque, pour apprécier ce film finalement très enlevé.

Mikael Gaudin-Lech

Site officiel

Miami vice, la série

Ca y est, je m’y suis collé ! La première tentative, hier, n’avait pourtant pas été fructueuse pour la simple raison que les deux salles d’Odéon étaient complètes. Vous savez combien je suis consciencieux et zélé, j’y suis donc retourné aujourd’hui, me disant que ce serait - au pire - un moment divertissant.

Bilan des courses ? Un pirate légèrement efféminé, une jeune aventurière déguisée en moussaillon, monsieur Pieuvre, monsieur Requin, monsieur Bernard-l’hermite, j’en passe et des meilleures. Tout ce petit monde se côtoie joyeusement, se chamaille et se reconcilie dans un même élan. On ne croit jamais trop à l’histoire. Tout paraît si grotesque que les personnages eux-mêmes font mine d’en rire. Pirates des Caraïbes est une fable tout droit sortie d’une tête de Disney qui s’est dit : on met de côté Peter Pan, mais on garde Capitaine Crochet, on met deux trois bestioles qui font un peu peur, un anti-héros un peu décalé, un méchant, un belle, et le tour est joué.

Ensuite la petite tête de Disney va voir Gore Verbinski (le réalisateur) et lui demande d’en tirer un truc sympa, avec des blagues, de l’aventure, etc. Gore se dit que, tant qu’à faire, il n’est pas à un pirate près. Il en a déjà signé un, et n’est pas mécontent d’en faire deux autres puisqu’après tout, ça marche ! D’un autre côté il se dit que ces histoires de Pirates, plus personnes n’y croit. Alors malin qu’il est, il se dit que ses pirates non plus ne croiront plus en rien : il invente… des pirates nihilistes, et échaffaude autour d’eux des thèses complétement post-modernes élaborées dans un esprit docte et malin !

Alors voilà, l’idée c’est que le Pirate (Johnny) est gay, que la fille (Keira) est lesbienne, qu’entre les deux ça chauffe un peu, elle aime la femme en lui, et lui l’homme en elle. C’est de la Queer theory pure et simple, et ça marche super bien ! Keira est libérée juste avant le mariage, libre du coup d’échapper aux conventions, de ranimer son côté sauvage ! Et Johnny l’attend, il n’en peut plus de brasser l’air avec ses mains, de jouer au junky gay un peu paumé, mais quand même génial. Le petit Orlando dans tout ça ne comprend rien à rien, lui qui en était resté à Chrétien de Troyes, à agiter son épée dans tous les sens et à se dire prêt à tout pour sauver sa belle. Trop con le mec ! Pendant ce temps, les deux autres se font les yeux doux, enfin façon de parler, ils se font des coups tordus, mais c’est bien leur style, c’est ça qu’ils aiment. Faire les pirates !

Et Gore ne s’arrête pas en si bon chemin. Revisitant allègrement tout un pan de la littérature fantastique, il démontre au passage une belle faculté de synthèse. Capitaine Nemo revu façon Monsieur-Pieuvre-Capitaine-des-mers s’épuise sur une orgue - c’est 20 000 lieues sous les mers qui se mort la queue, le maître et la créature réunis en un seul être. Le Trickster à Hollywood a de beaux jours devant lui. Tout ramène finalement à une petite mythologie de pacotille, avec sa grande tribu de gueules de poissons, ses héros à deux faces, et ses méchants univoques.
Le film est définitivement trop ennuyeux pour qu’on en dise davantage. Cela suffit comme ça. Quittons-nous sur ces quelques phrases extraites des Travailleurs de la Mer, qui mettront tout le monde d’accord et me dispenseront de commenter le misérable face à face entre Johnny et la pieuvre sur lequel se clôt pratiquement Pirates 2 :

“Brusquement une large viscuosité ronde et plate sortit de dessous la crevasse. C’était le centre ; les cinq lanières s’y rattachaient comme des rayons à un moyeu ; on distinguait au côté de ce disque immonde le commencement de trois autres tentacules, restés sous l’enfoncement du rocher. Au milieu de cette viscosité il y avait deux yeux qui regardaient.

Ces yeux voyaient Gilliatt.

Gilliatt reconnut la pieuvre.”Victor Hugo, 1866

La meilleure réponse à une image travestie restera toujours l’imagination.

Matthieu

Site officiel du film

Est-il possible de formuler un avis esthétique, d’émettre une opinion articulée et rationnelle sur un rêve ? Le rêve, c’est cette machine à fantasmes et parfois délires interprétatifs, cet ouvroir de désirs autant que de retours à soi, ces tréfonds qui nous soutiennent ou nous plongent dans la plus étrange perplexité. Si on part du postulat que La science des rêves est un gigantesque rêve éveillé, généré par l’étourdissant jeu de Mécano qu’est le cerveau de Michel Gondry, qu’en penser ? Essayons…

Le personnage interprété par Charlotte Gainsbourg, formidable en bricoleuse-rêveuse, dit à un moment que le hasard - et donc le rêve - est ce qu’il y a de plus difficile à reconstituer. C’est ce qu’on se dit tout au long de ce film qui n’a pourtant rien du bricolage improvisé mais tient bien du projet raisonné et souvent ambitieux dans sa forme, à défaut de nous proposer une histoire suffisamment charnue. En effet, Gondry nous soumet ici un trip assez longuet, qui accuse parfois de conséquentes baisses de rythmes. Le personnage de Stéphane (Gabriel Garcia Bernal) est une incarnation limpide de Gondry, sorte de personnage lunaire, tout à la fois égaré dans le monde des adultes mais bien déterminé à aller au bout de ce que son imagination lui dicte. Il tombe amoureux de sa voisine mais se perd dans l’indécision, ce qui complique évidemment les choses et suscite les multiples chicanes du scénario. L’histoire du film est universelle, vieille comme le monde, mais on sait bien que le cinéma n’est que la réinvention permanente de thèmes usés jusqu’à la corde. Mais, à l’inverse d’Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, l’histoire sert ici de prétexte à de fréquentes envolées fantasmatiques, en est le véhicule (pretexte ou véhicule ?). C’est là que le bât blesse un peu : Charlie Kaufman avait su construire un univers narratif au sein duquel Gondry se coulait avec subtilité, trouvant dans Jim Carrey un surprenant alter ego. Mais le brio technique ne l’emportait pas, on restait sur une ligne de flottaison équilibrée entre cette histoire d’effacement de souvenirs amoureux (sous forme d’un génial puzzle) et les effets spéciaux. Dans La science des rêves, c’est précisément l’inverse : la trame est plutôt ténue - parfois même tirée par les cheveux - les scènes dites de « prise de vue réelle » opérant comme lances de rampement aux scènes de fantasmes, rêves, cauchemars, jeu, le tout en direct sur Stéphane TV ! Ce plateau de télévision en coquilles d’oeufs, n’est-ce pas finalement le tribut que Gondry paie à ce joyeux terrain d’expérimentations que fut pour lui le vidéo clip ? D’ailleurs, qui connaît bien ses travaux antérieurs aura parfois l’impression d’une gigantesque compilation des meilleurs effets spéciaux bricolés pour imaginer les White Stripes (clip) ou dans une moindre mesure Björk (clip). Pour les aficionados, on conseillera d’ailleurs les bonus du DVD The Work Of Director (2003), où le réalisateur explique ses méthodes de travail, plus proches de l’animation dite classique (trucages, ombres, illusion d’optique, surimpression) que des manipulations numériques contemporaines, ce qui rend son cinéma plastiquement passionnant. Dans La science des rêves, c’est comme si Gondry tombait dans l’impasse qu’il avait su éviter (ou limiter) dans son film précédent. On pourrait alors se demander ce qui différencie, au fond, Michel Gondry de Jean-Pierre Jeunet, Stéphane d’Amélie, les trucs déclinés dans des vidéo clips réussis de gimmicks déclinés en courts puis en longs métrages ? C’est cette fameuse distanciation vis-à-vis du réel qui trouble le plus, et qui, à la longue, crée un malaise. Comment s’identifier à un personnage tellement peu en phase avec ce qui l’entoure, et au final guère sympathique ? Côté casting, Gabriel Garcia Bernal est plutôt convaincant en doux ahuri velléitaire et un peu bêta (attention cependant à ne pas voir le film en VF, comme lors de l’éprouvante séance de Paris Cinéma). Les personnages secondaires, menés par un Chabat en roue libre (Miou-Miou se demande ce qu’elle fait là, Emma de Caunes disparaît très vite) ne nous aident pas davantage à nous investir dans une histoire écrite à la va-vite (par Gondry himself, plus doué pour les trouvailles formelles que pour la narration, l’articulation de scènes, la progression).
Bref, La science des rêves est un bel objet décoratif, très bien fichu, mais un peu décevant pour un retour au pays…

Benoît Hické

Infos

Le site du film

Le site (non officiel) de Michel Gondry

Hier soir j’ai vu Montag d’Ulrich Köhler et je vous propose de suivre ici en vidéo le débat qui a suivi sa projection dans le cadre du Festival Paris Cinéma.

J’ai aimé Montag, j’ai même voulu l’aimer. D’abord pour son silence et la grande économie qu’il fait à la fois des dialogues et de la musique, toujours utilisée avec parcimonie. Ensuite pour son corps, je veux dire pour l’épaisseur de ses couleurs, l’immanence de ses personnages, l’impénétrabilité de ses obscurités et de ses brumes. Ulrich Köhler inscrit chacun de ses plans dans un lieu, un temps, une humeur qui échappent constamment à la narration et invitent à la digression : dans le noir on se demande, où va-t-elle ? Que pense-t-elle ? On erre aussi. Mais on se dit c’est beau, que l’errance de cette femme - même si elle n’est pas neuve et hante toute l’histoire du cinéma moderne - cette errance-là est belle. Mieux, on la comprend. Peut-être parce qu’on est européen, et qu’on a la tête remplie de ces films où les personnages sous-jouent leur mal-être, sourient du bout des lèvres et toujours achoppent dans leur histoire sur un irrémédiable échec. De La Notte à Ascenseur pour l’échaffaud (toujours Jeanne Moreau). Mais surtout La Notte, pour son sens du silence saturé et son amour des lieux habités : forêts ou building, building dans la forêt. La bonne synthèse. Dans Montag la caméra coule avec pas mal de classe, traîne sa mélancolie sourde en l’enrobant de couleurs, de petits airs méchants, de blagues et de frustrations. Et rien ne transpire l’effort, l’intention, ni même la construction (indice 1 - au moins une chose qui sépare cette prétendue nouvelle vague allemande d’un certain cinéma français).

C’est qu’il n’est pas possible de faire un tel film sans faire montre d’un grand style. Il ne suffit pas (indice 2 pour un cinéma allemand) de reprendre les mêmes ingrédients (la jeune famille bourgeoise, du doute et de l’adultère) pour forcément faire un bon film, subtil et comme on dit enlevé. ll faut inspirer. C’est simple dit comme ça, et il faut se creuser la tête pour savoir exactement pourquoi on veut aimer le film, pourquoi il nous touche finalement au-delà de ses imperfections. Moi je ne sais pas, je tente l’inventaire, histoire de faire le point :

1. Les séquences du début dans l’obscurité : la femme quitte le domicile conjugal et s’en va récupérer sa fille chez les grands-parents. Mais elle n’y va pas, elle s’arrête devant puis poursuit sa route. Tout ça dans le noir. Si bien qu’on est un peu perdu, mais que cette perte n’a rien d’inquiétant. C’est une pause mais pas un temps mort. On entre de plein pied dans la matière du film, qui s’amuse comme ça à nous balader et nous laisser sans repère. Ce qui arrange bien et donne au film un côté non pas mystérieux mais intime. Et là dans cette obscurité, on est bien…

2. Cet hôtel perdu dans la forêt offre un huis clos idéal à l’errance nocturne de l’héroïne égarée. Dès le premier plan, le bâtiment apparaît comme s’il s’agissait d’un personnage à part entière. Elle prend le téléphérique, jette un coup d’oeil sur sa gauche, et l’hôtel est là. Il la regarde. Il l’attend. Elle va le rejoindre c’est sûr, juste le temps d’arriver en haut et de redescendre en vélo, pas même le temps d’un plan à vrai dire, car l’instant d’après elle est au pied de l’hôtel, elle s’avance déjà vers lui.

3. Alors l’hôtel. Instant de grâce. Pas mal de scènes véritablement improbables. Encore La Notte qui plane, habits de soirées, alcools, piscine, des hôtes qu’on achète, des rencontres dans les couloirs et les chambres, bref une belle dose d’aventure. Au milieu de tout ça, un peu comme Arno dans Komma, Ili Nastase qu’on attendait pas là. Qui fait sa demo de tennis, et puis le vieux charmeur désabusé. C’est cette stratégie du détournement permanent qui séduit, toutes ces scènes improbables qui sont autant d’accidents de scénario savamment distillés. Petits et savoureux.

Aller c’est le grand reproche que je veux faire au film. La recette de l’achoppement, ou faire en sorte qu’à chaque fois l’histoire entre les personnages n’aille jamais au bout, soit déjà compromise avant même d’être commencée. Comme si cela ne valait pas la peine. C’est tellement systématique que ça tient de la recette, et à cet égard pour moi la dernière scène est de trop. On se dira génial la dernière scène – et d’ailleurs ça s’est dit, c’est fin et tout, je ne sais pas trop quoi d’autre. Mais non, c’est facile, facile de faire des trucs mous comme ça. De faire du coup un film bien tenu, ayant une belle gueule et un vrai caractère, mais d’un autre côté un peu mou. Bon je sais le film-symptôme, comme on faisait des films symptômes dans les années 60, un film malade sur une maladie contemporaine, douce, mélancolique, faite d’impuissance et de doute (Lost in translation en tête de gondole). Mais on peut dire aussi : film convenu, fait de ce qui traîne autour. Facile de dire ça mais c’est une impression qu’on a avec ces films allemands, tant ils se ressemblent finalement. Le sexe consommé, les petites tromperies, les grands doutes, les sacrifices, le renoncement, tout ça dans des huis clos, à la maison ou l’hôtel. On couche et découche, mais on pleure jamais. Pour ça il y a le silence, c’est plus poli et moins gênant.
Matthieu

Critique (Arte)

Festival de La Rochelle ; Paris cinéma

Les films allemands à Cannes

Les films allemands aux Rencontres du cinéma

Le printemps allemand vu par les Cahiers

C’est autour d’un bon hamburger que Cinelogs a rencontré la délicieuse Fanny Valette, l’actrice principale de Changement d’adresse d’Emmanuel Mouret. Elle revient dans cette première partie sur sa rencontre avec le réalisateur et sa perception du personnage qu’elle interpréte dans le film, Julia.

Retrouvez sur Cinelogs la critique du film et sa présentation à la Cinémathèque, lors de son avant-première.

Changement d’adresse est un film qui sort aujourd’hui - 21 juin - en salles et qui retrace sur un ton burlesque et léger les périgrinations amoureuses d’un jeune homme. C’est le troisième film d’Emmanuel Mouret, après notamment le subtil et irrésistible “Vénus et Fleur”.

La vidéo que nous vous proposons a été tournée lors de la projection du film en avant-première à la Cinémathèque française et vous pourrez entendre au début de cette présentation l’appel de son directeur Serge Toubiana à envoyer tous les éléments qui peuvent nourrir ce musée vivant du cinéma !

C’est cependant le délégué général de la Quinzaine des réalisateurs, Olivier Père, qui présente le film. Rien d’étonnant, le film était sélectionné cette année.

Emmanuel Mouret est entouré dans le film de deux charmantes actrices, Frédérique Bel et Fanny Valette. Vous pourrez très prochainement retrouver l’interview de Fanny Valette sur cinelogs, mais vous pouvez d’ores et déjà consulter la critique du film par Nicolas.

Studio National des arts contemporains, Le Fresnoy est un centre de création et d’exposition qui soutient les artistes non seulement en produisant leur oeuvres, mais également en offrant les conseils avisés d’artistes de renommée internationale tels que Gary Hill, Bruno Dumont ou encore Andrea Cera.

Panorama est un rendez-vous annuel présentant l’ensemble des productions du Fresnoy au cours de l’année écoulée. Cette manifestation propose au public de la création contemporaine ainsi qu’aux professionnels, aussi bien des oeuvres destinées aux espaces d’exposition que des films et des vidéos, ou des spectacles vivants (théâtre, danse, performances).

De passage pour l’exposition Panorama 7, j’ai choisi de m’intéresser essentiellement à l’installation de Shalimar Preuss, Les Loups.

La vidéo que vous pouvez consulter sur cinelogs comporte néanmoins deux plans : au premier, l’installation de Shalimar, au second l’installation de Cyprien Quairiat - Salle d’attente. Chacune des installations renvoie de façon nécessairement arbitraire et caricaturale à un état de l’art contemporain et aux conditions de sa réception.

Les Loups de Shalimar Preuss invite à une expérience intime et mystérieuse, faite d’apparitions, d’images tremblantes et de visages ébahis. Le film se construit à la fois sur le champ (une jeune femme flotte comme en apesanteur, éclairée par instants à l’allumette) et le hors-champ (l’objet de la crainte ou de la fascination, de la jeune fille). Le désir trouve ainsi dans la peur son contrepoint idéal, et ne cesse ainsi de grandir.
Présentation de l’installation (extraite du catalogue de Panorama 7)

La traversée d’une forêt où se croisent et se décroisent les pâles rayons de lune.

Une jeune femme qui éloigne les loups à coups d’allumettes.

Prendre appui sur la continuité du son pour avancer à bâtons rompus à l’image. Cette avancée sera cadencée en un accord parfait avec la respiration de la comédienne. Seule certitude quant au résultat : cette action du souffle sur la cadence des images.

Et pour le reste : fouiller l’intervalle, l’abîme, le battement, le blanc. Endurer. Et faire durer la turbulence, les cahots. S’arroger toute solution de continuité, suspension, ou temps d’arrêt. Le mouvement comme substance à stroboscoper : “We must be still and still moving” (TS Eliot, Four Quartets).
De translation en translation, céder à la transformation en “des successions de catatonies et de précipitations, de suspens et de flèches, des coexistences de vitesses variables, des blocs de devenir, des sauts par-dessus des vides, des déplacements d’un centre de gravité sur une ligne abstraite, des conjonctions de lignes sur un plan d’immanence” (Deleuze et Parnet, Dialogues).
Jusqu’à épuisement ou régénération des images (fixes ou mouvantes ?), et en tous les cas : “Plus de formes mais des rapports cinématiques entre des éléments non formés” (Deleuze et Parnet, ibid).

Matthieu

PS : vous trouverez également une autre critique dans L’humanité

Nocturnes pour le roi de Rome a été réalisé dans le cadre du festival Pocket films avec un Nokia 6630. Il s’agit du premier long-métrage réalisé avec un téléphone portable.

Auteur de plusieurs courts-métrages, notamment Le Dieu Saturne et d’un long-métrage remarqué Les jours où je n’existe pas, Jean-Charles Fitoussi signe avec Nocturnes son premier film en vidéo. Il revient dans cet entretien sur les particularités de l’image obtenue avec le téléphone mobile, sur ses paradoxes et ce qu’elle induit en terme de méthode de création et de production.

Au fil du dialogue s’esquisse la possibilité de faire des films autrement, sans plans pré-établis et pour tout dire avec les moyens du bord. Mais des films qui tiennent le coup, qui comme celui de Jean-Charles Fitoussi attestent d’une réelle ambition et d’un réel appétit pour ces images brutes et primitives. Ce film montre la voie, tout simplement. C’est la raison pour laquelle il nous paraît utile de revenir sur lui, sur son histoire et ses conditions de création, de manière à mieux cerner les possibilités d’un cinéma de poche. Pas un cinéma gadget mais un cinéma bricolé, improvisé du début à la fin, avec des images du quotidien et de l’intime, des images proches, à portée de la main ou plutôt engendrées par et dans la main. C’est le retour au geste initial, à l’immédiateté du mouvement de la main et de l’oeil. La main de l’oeil, c’est ça l’idée.

NOCTURNES POUR LE ROI DE ROME de Jean-Charles Fitoussi (1h17)
lundi 12 Juin à 19h30 salle Franju, Cinémathèque Française, 51 rue de Bercy, Paris 12

SYNOPSIS : Un vieux compositeur allemand est reçu à Rome, appelé par le roi pour lui composer huit nocturnes. Mais le souvenir de sa femme morte dans cette ville des années auparavant, auquel s’ajoutent les fantômes de la guerre pendant laquelle il naquit, l’empêchent de composer quoi que soit. Il voit maintenant que la Ville éternelle aura été sa dernière destination sur cette terre, le visage de sa femme bien-aimée et la musique de Mozart, les dernières joies de sa vie - qu’il a tant aimée malgré les intempéries.

Les critiques :

Le Monde ; Variety ; Fluctuat ; Films de poche ; Cinelogs ; Cinelogs (anglais)

Retrouvez le programme de la retrospective des films de la Semaine de la critique

… et toutes les interviews et vidéos consacrées de Jean-Charles Fitoussi sur Cinelogs

Nocturnes pour le roi de Rome a été réalisé dans le cadre du festival Pocket films avec un Nokia 6630. Il s’agit du premier long-métrage réalisé avec un téléphone portable.

Auteur de plusieurs courts-métrages, notamment Le Dieu Saturne et d’un long-métrage remarqué Les jours où je n’existe pas, Jean-Charles Fitoussi signe avec Nocturnes son premier film en vidéo. Il revient dans cet entretien sur les particularités de l’image obtenue avec le téléphone mobile, sur ses paradoxes et ce qu’elle induit en terme de méthode de création et de production.

Au fil du dialogue s’esquisse la possibilité de faire des films autrement, sans plans pré-établis et pour tout dire avec les moyens du bord. Mais des films qui tiennent le coup, qui comme celui de Jean-Charles Fitoussi attestent d’une réelle ambition et d’un réel appétit pour ces images brutes et primitives. Ce film montre la voie, tout simplement. C’est la raison pour laquelle il nous paraît utile de revenir sur lui, sur son histoire et ses conditions de création, de manière à mieux cerner les possibilités d’un cinéma de poche. Pas un cinéma gadget mais un cinéma bricolé, improvisé du début à la fin, avec des images du quotidien et de l’intime, des images proches, à portée de la main ou plutôt engendrées par et dans la main. C’est le retour au geste initial, à l’immédiateté du mouvement de la main et de l’oeil. La main de l’oeil, c’est ça l’idée.

NOCTURNES POUR LE ROI DE ROME de Jean-Charles Fitoussi (1h17)
lundi 12 juin à 19h30 salle Franju, Cinémathèque Française, 51 rue de Bercy, Paris 12

SYNOPSIS : Un vieux compositeur allemand est reçu à Rome, appelé par le roi pour lui composer huit nocturnes. Mais le souvenir de sa femme morte dans cette ville des années auparavant, auquel s’ajoutent les fantômes de la guerre pendant laquelle il naquit, l’empêchent de composer quoi que soit. Il voit maintenant que la Ville éternelle aura été sa dernière destination sur cette terre, le visage de sa femme bien-aimée et la musique de Mozart, les dernières joies de sa vie - qu’il a tant aimée malgré les intempéries.

Les critiques :

Le Monde ; Variety ; Fluctuat ; Films de poche ; Cinelogs ; Cinelogs (anglais)

Retrouvez le programme de la retrospective des films de la Semaine de la critique…

et toutes les interviews, vidéos et articles consacrés à Jean-Charles Fitoussi sur Cinelogs

Nocturnes pour le roi de Rome a été réalisé dans le cadre du festival Pocket films avec un Nokia 6630. Il s’agit du premier long-métrage réalisé avec un téléphone portable.

Auteur de plusieurs courts-métrages, notamment Le Dieu Saturne et d’un long-métrage remarqué Les jours où je n’existe pas, Jean-Charles Fitoussi signe avec Nocturnes son premier film en vidéo. Il revient dans cet entretien sur les particularités de l’image obtenue avec le téléphone mobile, sur ses paradoxes et ce qu’elle induit en terme de méthode de création et de production.

Au fil du dialogue s’esquisse la possibilité de faire des films autrement, sans plans pré-établis et pour tout dire avec les moyens du bord. Mais des films qui tiennent le coup, qui comme celui de Jean-Charles Fitoussi attestent d’une réelle ambition et d’un réel appétit pour ces images brutes et primitives. Ce film montre la voie, tout simplement. C’est la raison pour laquelle il nous paraît utile de revenir sur lui, sur son histoire et ses conditions de création, de manière à mieux cerner les possibilités d’un cinéma de poche. Pas un cinéma gadget mais un cinéma bricolé, improvisé du début à la fin, avec des images du quotidien et de l’intime, des images proches, à portée de la main ou plutôt engendrées par et dans la main. C’est le retour au geste initial, à l’immédiateté du mouvement de la main et de l’oeil. La main de l’oeil, c’est ça l’idée.

Matthieu

NOCTURNES POUR LE ROI DE ROME de Jean-Charles Fitoussi (1h17)
lundi 12 juin à 19h30 salle Franju, Cinémathèque Française, 51 rue de Bercy, Paris 12

SYNOPSIS : Un vieux compositeur allemand est reçu à Rome, appelé par le roi pour lui composer huit nocturnes. Mais le souvenir de sa femme morte dans cette ville des années auparavant, auquel s’ajoutent les fantômes de la guerre pendant laquelle il naquit, l’empêchent de composer quoi que soit. Il voit maintenant que la Ville éternelle aura été sa dernière destination sur cette terre, le visage de sa femme bien-aimée et la musique de Mozart, les dernières joies de sa vie - qu’il a tant aimée malgré les intempéries.

Les critiques :

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