“Je n’avais pas l’argent nécessaire pour produire un film, j’ai commencé à écrire un livre…”

Ainsi parlait Christopher Paolini, auteur du roman d’heroic fantasy Eragon aujourd’hui adapté au cinéma en un film fantastique réunissant un casting prestigieux (Jeremy Irons, Rachel Weisz, Robert Carlyle, John Malkovitch) et réalisé par un spécialiste des effets spéciaux, Stefen Fangmeier.
L’histoire ?

En terre d’Alagaësia, les Dragons avaient fait don à leurs Dragonniers de pouvoirs magiques et même de l’immortalité. Aucun ennemi ne pouvait les vaincre… jusqu’à ce que l’un des leurs, Galbatorix, décide de s’approprier tous ces pouvoirs en détruisant tous les autres Dragonniers.

Un jeune homme, Eragon, découvre un oeuf étrange aux lueurs bleues, qui donne naissance à un Dragon femelle. Il le baptise Saphira.

Le temps des Dragonniers est revenu…

“Eragon”

Site officiel

Durée : 1h45

Réalisation : Stefen Fangmeier
Scénario : Peter Buchman, Lawrence Konner, Mark Rosenthal, Jesse Wigutow
D’après l’oeuvre de Christopher Paolini

Avec notamment : Edward Speleers, Jeremy Irons, Rachel Weisz, Robert Carlyle, Sienna Guillory, John Malkovich

Directeur de la photographie : Hugh Johnson
Compositeur : Patrick Doyle
Monteur : Roger Barton
Chef décorateur : Wolf Kroeger
Costumière : Kym Barrett

Effets visuels: Industrial Light & Magic (ILM) & Weta Digital

Producteur : John Davis, Wyck Godfrey, Roger Barton
Production : Fox 2000 Pictures
Distribution : 20th Century Fox France

Attachée de presse : Michèle Abitbol-Lasry, Séverine Lajarrige

Red Road sort aujourd’hui dans les salles. Film pas facile, et en même temps très appliqué.

Une femme travaille dans un centre de surveillance et passe ses journées à regarder les gens passer dans la rue. Parfois elle surprend un délit, qu’elle signale aussitôt. Mais c’est autre chose qui l’amène, on ne sait trop pourquoi, à suivre un homme. Tout le film se construit sur ce secret, sur le soupçon ou l’attirance.

Dans ses pérégrinations, la femme découvre un nouvel espace, périphérique et pauvre, jalonné d’imposantes barres d’immeubles. Un lieu extrêmement austère d’où émane une sourde violence. Peu à peu je ne veux plus savoir, le secret finalement devient accessoire, car le lieu prend le pouvoir, définit les règles. Et la règle est simple : c’est la rétention. Chacun garde pour soi, son passé, ses désirs, ses expressions. Chacun reste au dedans et ne communique que par tentative, main tendue hésitante ou éruption de violence momentanée. Dans les centres de rétention que sont les tours d’immeubles, on reste terrés comme des rats, parfois on ouvre la fenêtre mais alors c’est le vide qu’on sent. Se terrer ou sombrer, c’est ça l’alternative. Centre de rétention pour cette femme qui retient le souvenir de son mari et de son enfant morts et part s’enfermer dans les tours à la recherche du coupable, pour le faire payer.

Le film s’ouvre sur la fin, sort de ces pièces closes et obscures, de ces images innombrables d’écrans de surveillance, sors dans la rue tout simplement, car c’est dans la rue que tout recommence. Comme si le film ne faisait que commencer alors qu’il finit, qu’il n’avait été qu’un suspend, une parenthèse.

Matthieu

(mai 2006)

Red Road

Durée : 1h53

Réalisation : Andrea Arnold
Scénario : Andrea Arnold

Montage : Nicolas Chaudeurge
Chef décoratrice : Helen Scott
Ingénieur du son : Martin Belshaw
Directrice du casting : Kathleen Crawford

Production : Sigma Films Ltd (Angleterre) & Zentropa Entertainments (Danemark)

Producteur : Carrie Comerford & Robbie Ryan

Distribution (France) : Equation
Attachée de presse : Vanessa Jerrom

Le 19 octobre 2007, le président des Etats-Unis, George Bush, est assassiné. Un homme, d’origine syrienne, est rapidement suspecté. Dick Cheney évalue la possibilité d’une intervention armée contre la Syrie.

Mais si l’assassin était plutôt le père d’un soldat mort en Irak ?

Los Angeles, années 40 : carrefour des assassins

Los Angeles brûle, la ville croule sous la corruption et la violence, on découvre le corps d’une jeune femme atrocement mutilé. Les inspecteurs Blanchard (Aaron Eckhart), routard abîmé, et Bleichert (Josh Hartnett) un jeune policier un peu idéaliste, sont chargés de mener cette affaire délicate. L’enquête est un coupe-gorge. Les cadavres se multiplient. Entre secrets de famille, amours clandestins et vengeance, les deux coéquipiers déambuleront dans un macabre labyrinthe, ayant pour unique sortie, les confins du sordide.

Les agents de police sont des boxeurs. Ils montent sur les rings, pour gagner de l’argent ou évacuer les frustrations. Les combats sont truqués, les amours crapuleuses. Le sang transpire. Rien n’échappe au vice, ou à la destruction, pas même le triangle amoureux que forment les deux inspecteur et Kay (Scarlett Johansson), jeune femme aussi fatale que trouble.

Tout nouvel élément d’enquête produit un cadavre de plus. Les masques résistent, le drame est là, bien serré autour des Linscott, une mystérieuse et puissante famille. Le malsain semble inépuisable tout comme la fascination lugubre de Bleichert pour Maddie (Hilary Swank) aînée des Linscott et sosie du cadavre encore frais. Restent l’obscur passé de Kay et celui de Blanchard. La vérité est effroyable et ne laissera personne indemne.

De Palma rend hommage au livre, ne le malmène pas

Cette version cinématographique du « Dahlia noir », best seller de James Ellroy, est certes simplifiée et plus limpide que l’angoissant roman mélange de névroses incurables, de cauchemars et d’indécence. Mais Brian de Palma reste efficace, l’adaptation est élégante, et n’empiète pas sur la noirceur propre à Ellroy.

En se détachant du livre, Brian De Palma s’est approprié Le Dahlia Noir, produisant une oeuvre plus sobre que l’univers ultra sanguinolent, purulent et névrotique d’ Ellroy. On peut le dire, au royaume du polar, l’écrit à rencontré l’image.
Alexandra

Ma note : 15/20

Le site officiel du film

Je dois dire que le film est en effet plutôt singulier et permet de se replonger dans un cinéma qu’on avait quitté avec Tarnation et qui se fait rare, même au Etats-Unis. Un cinéma de l’intime, cru et sans complexe, qui n’a jamais la langue dans sa poche, use et abuse de sa liberté avec une joyeuse insouciance. Bien sûr, le film souffre d’une quantité de tics propres au cinéma américain : le film choral, le grand crescendo qui nous mène jusqu’au dénouement, les sourires de facades et le malaise général, bref tous les ingrédients du film indépendant americain à succés. Mais on sent quelque chose de plus, de l’ordre du documentaire.

Couette fait une apparition au début, comme pour signer le film, renseigner sur sa provenance et l’ancrer un peu plus côté Est. Car il est difficile d’imaginer Shortbus en dehors de New York, tant le libertinage qui y est décrit a quelque chose de réjouissant et spirituel. Tout cela ramène aux années 70, non pas celle des Beatniks mais celles du Velvet et de la Factory, de la débauche un peu trash et tendance d’une joyeuse bande de délurés prête à tout pour se distraire.

De films en films Larry Clark esquisse à sa manière une communauté adolescente unie autour d’une pratique décomplexée du sexe. Shortbus, tout en étant plus riche et touffu, donne à voir une communauté d’aujourd’hui unie autour du plaisir et du don, mais également de la solitude et de la misère. Le final très cheesy tente bien de gommer l’aspect macabre du film en célébrant la communauté dans l’orgasme général, mais c’est déjà perdu. On y croit plus, la communauté n’est plus qu’un espoir, un horizon vers lequel il est possible de tendre, comme on tend vers l’orgasme.

Matthieu

Lui, c’est un jeune Lord séduisant doublé d’un homme d’affaires cultivé qui s’investit en politique.
Elle, c’est une jeune étudiante américaine à qui un journaliste décédé souffle d’outre-tombe un scoop à peine croyable : ce jeune Lord serait en fait un serial killer.

Mais voilà, la jeune fille tombe amoureuse du jeune Lord. Et seul y croit maintenant un vieux prestidigitateur bavard, “de confession israélite, récemment converti au narcissisme”.
Après le sombre et puissant Match Point, l’Angleterre de Woody Allen, décidément bien noire, se couvre avec Scoop d’un honnête voile de comédie. Attention, si le suspens n’est pas réellement au rendez-vous et si le scénario paraît parfois bien léger, le film ne présente pas de temps mort et reste porté par ses interprètes et l’art consommé de Woody Allen pour les mots d’esprit.

Jean-Jacques

Ma note : 13/20

Dernier film réalisé et joué par Robert de Niro, écrit par l’un des très grands scénaristes américains, Eric Roth, auteur entre autre de l’adaptation de Forrest Gump et du scénario de Révélations (de Michael Mann, avec notamment Al Pacino et Russel Crowe), The Good Shepherd raconte l’histoire des débuts de la CIA à travers celle de l’un de ses agents joué par Matt Damon.

Voici la bande annonce d’un film très attendu qui sortira le 8 novembre…

Adaptation du roman de James Ellroy, lui-même inspiré d’une histoire qui a fasciné l’Amérique, Le Dahlia Noir est le dernier film de Brian de Palma (Blow Out, Scarface, Les Incorruptibles, The Phantom of the Opera, Femme Fatale…).

Dans les années 40, à Los Angeles, Bucky et Lee, deux inspecteurs, s’attaquent à une affaire de meurtre particulièrement difficile. Une starlette, Elizabeth Short, a été découverte atrocement mutilée. Sa beauté et sa fin tragique deviennent les sujets de conversation de toute la ville.

Avec, notamment : Josh Hartnett, Hilary Swank, Scarlett Johansson

Le site officiel du film

Alain, la cinquantaine, est ce que l’on appelle un chanteur de bal, de thés dansant, qui enchaîne les galas en province ; c’est en musique qu’il aperçoit Marion, une jeune mère célibataire et perdue, qui retient tout de suite son attention.

Cette rencontre est une chanson tendre et pudique, rythmée par une peur d’aimer incessante que le réalisateur a su filmer, tout en retenue, dans une simplicité et une justesse qui ne s’encombrent jamais d’amertume, faisant de ce film un tableau remarquable de vérité, la danse de deux êtres tour à tour maladroits et attentionnés, qui valsent ou s’échappent au son de leurs émotions.

« Quand j’ étais chanteur » ne tombe jamais dans les poncifs de l’écart d’âge, les deux cœurs sont blessés mais leur solitude reste élégante, sûrement la marque d’un réalisateur sensible qui a su capter la musique du cœur, au plus près du trouble, sans fioritures. Ce film est la partition touchante d’une rencontre ordinaire, au ton rare : celui de la sincérité.

Alexandra

NDLR : “Quand j’étais chanteur” est le troisième long métrage de Xavier Giannoli après “Les corps impatients” et “Une aventure” mais aussi “L’interview”, palme d’or du meilleur court-métrage à Cannes en 1999.

Taxidermie est une sorte de film-monstre, fondamentalement baroque, avec du sexe, de l’orgie, de l’horreur bref une image qui tend constamment du côté de la surenchère, qui ne se contente pas d’être brute mais aussi vulgaire, laide et choquante. Ce film n’a rien pour plaire et pourtant s’y dessine en filigrane les contours d’un discours fort et gonflé sur l’histoire de la Hongrie, de la Seconde guerre mondiale à l’ère post-soviétique. Sur trois générations, les hommes et leurs corps se tranforment : naissance dans la douleur et le fantasme, invention d’un homme nouveau qu’on goinfre à n’en plus pouvoir, et finalement évidement d’un corps non plus a réinventer mais à détruire. L’idéologie imprime sa marque sur un corps qui, pour avoir trop encaissé n’aspire plus qu’à la vacuité, au devenir-chose, comme s’il avait failli dans sa tâche, qu’être un homme était trop pour lui, trop dangereux en tout cas. Film-monstre, sur la monstruosité. Comme on dit un film très humain. Vous voyez. Comme la barbarie à visage humain. Le film-monstre c’est ça. C’est cette humanité-là, son bilan critique.

Site officiel du film

Autres sorties de la semaine : Le vent se lève de Ken Loach (palme d’or à Cannes) et Selon Charlie, de Nicole Garcia