Interview du réalisateur Emmanuel Bourdieu au sujet de son dernier film, “Les Amitiés Maléfiques”, présenté à l’ouverture de la Semaine internationale de la critique à Cannes.

L’interview se déroule dans le cadre de la plage du Rado, en face de l’Espace Miramar, cadre des projections.

Tous nos remerciements à Emmanuel Bourdieu et à l’équipe de son film pour leur disponibilité.

Site de La Semaine internationale de la critique

Film pas facile, et en même temps très appliqué. Une femme travaille dans un centre de surveillance et passe ses journées à regarder les gens passer dans la rue. Parfois elle surprend un délit, qu’elle signale aussitôt. Mais c’est autre chose qui l’amène, on ne sait trop pourquoi, à suivre un homme. Tout le film se construit sur ce secret, sur le soupçon ou l’attirance. Dans ses pérégrinations, la femme découvre un nouvel espace, périphérique et pauvre, jalonné d’imposantes barres d’immeubles. Un lieu extrêmement austère d’où émane une sourde violence. Peu à peu je ne veux plus savoir, le secret finalement devient accessoire, car le lieu prend le pouvoir, définit les règles. Et la règle est simple : c’est la rétention. Chacun garde pour soi, son passé, ses désirs, ses expressions. Chacun reste au dedans et ne communique que par tentative, main tendue hésitante ou erruption de violence momentanée. Dans les centres de rétention que sont les tours d’immeubles, on reste terrés comme des rats, parfois on ouvre la fenêtre mais alors c’est le vide qu’on sent. Se terrer ou sombrer, c’est ça l’alternative. Centre de rétention pour cette femme qui retient le souvenir de son mari et de son enfant morts et part s’enfermer dans les tours à la recherche du coupable, pour le faire payer. Le film s’ouvre sur la fin, sort de ces pièces closes et obscures, de ces images innombrables d’écrans de surveillance, sors dans la rue tout simplement, car c’est dans la rue que tout recommence. Comme si le film ne faisait que commencer alors qu’il finit, qu’il n’avait été qu’un suspend, une parenthèse.

Matthieu

Voici une présentation exclusive du film Halim par son réalisateur Shérif Arafa. Halim est le film le plus cher de l’histoire du film arabe avec un budget annoncé de 6 millions de dollars.

Les festivals acceuillent volontiers des films conçus presque seulement pour eux et leur audience si particulière. Ou peut-être doit-on appréhender la question dans l’autre sens, ce sont les festivals qui fabriquent les attentes et les bruits, guettent la moindre sensation et créent les modes.

A leur manière, Hamaca Paraguaya et Taxidermie conviennent à merveille à Cannes. Hamaca lui apporte son sens l’épure, se fait l’étendard d’un cinéma d’amérique latine très composé, très conceptuel. C’est par excellence le film de festival ennuyeux bien qu’intéressant autour duquel l’espace d’un instant on se dit oui c’est fort (enfin dense plutôt que fort, cérébral quoi). Le sélectionneur lui-même s’est sans doute dit qu’il fallait le prendre pour sa radicalité, il avait sa place dans la sélection, bluff ou pas, ça n’était pas la question. Il y a je pense sans que ce soit vraiment dit, une sorte de quota pour de tels films, car ils ne peuvent exister qu’en festival, ou à la rigueur dans les musées. Cela dit il est bon qu’ils existent, qu’ils fassent ainsi la promotion non seulement d’un cinéma plus dur et plus élémentaire, mais également celle d’une autre expérience du cinéma et du temps, plus verticale qu’horizontale disons pour aller vite, où l’on attend rien. Où le but n’est pas d’attendre, mais de sentir.

De manière totalement opposée, Taxidermie est une sorte de film-monstre, fondamentalement baroque, avec du sexe, de l’orgie, de l’horreur bref une image qui tend constamment du côté de la surenchère, qui ne se contente pas d’être brute mais aussi vulgaire, laide et choquante. Ce film n’a rien pour plaire et pourtant s’y dessine en filigrane les contours d’un discours fort et gonflé sur l’histoire de la Hongrie, de la Seconde guerre mondiale à l’ère post-soviétique. Sur trois générations, les hommes et leurs corps se tranforment : douleur et fantasme des premiers temps, invention d’un nouvel homme dans le second qu’on goinffre à n’en plus pouvoir, puis finalement évidemment du corps. L’idéologie imprime sa marque sur un corps qui, pour avoir trop encaissé n’aspire plus qu’à la vacuité, au devenir-chose, comme s’il avait failli dans sa tâche, qu’être homme était trop pour lui, trop dangereux en tout cas, trop irréaliste aussi de n’être finalement ni plus ni moins qu’un homme. Film-monstre, sur la monstruosité. Comme on dit un film très humain. Vous voyez. Comme la barbarie à visage humain. Le film-monstre c’est ça. C’est cette humanité-là, son bilan critique.

C’était hier, Amédé arrive, il est un peu perdu, personne ne l’attend, il sait que la journée sera dure, que certains films sont à éviter, que certains situations aussi. Et pourtant, son premier geste éloquent fait déjà renaître tout ce que le cinéma porte de magique, de merveilleux et, paradoxalement de profondément religieux car Amédé, étrangement papal, baise le sol de Cannes.

Adel Adeeb, président de Good News Group, l’un des plus grands groupes de média égyptien, nous présente la stratégie de son groupe, ses développements récents dans le cinéma.

Good news a en effet produit ce film qui est annoncé par Variety comme le plus cher (6 millions de dollars) jamais produit par un pays arabe.

Good News Group is one of the biggest media group in the arab world and its CEO, Adel Adeeb, explains its strategy while presenting the world premiere of “Halim” in Cannes.

Seems like Egypt is gaining momentum in cinema with Good News Group which schedules another big project, about Al Qaeda, after Halim.

Halim is the most expensive film to date in the arab world with an overall budget of USD 6 millions.

J’ai une vision parcellaire du film, du moins de la première moitié, car autant le dire tout de suite j’ai un peu sommeillé. Donc une trame simple, le cadre américain moyen d’un côté, avec sa fonction au sein de l’entreprise, le langage technique et lisse qui va avec ; et les Mexicains fraîchement émigrés de l’autre, pauvres, exploités, immédiatement incorporés par le système capitaliste, et affectés aux tâches les plus ingrates. Des petites saynètes de la vie quotidienne de ces gens-là, dureté de la vie des Mexicains, drôlerie un peu dissonante du cadre américain empêtré dans ses petites certitudes et sa petite morale. Il va découvrir un monde dont il ne soupçonnait jusqu’ici pas l’existence. Il s’aperçoit que dans les burgers dont il fait la pub, il y a de la crotte. Fast Food Nation lève le voile sur les processus très rationnels qui amènent à produire et commercialiser cette crotte. Evidemment, la posture du provocateur, qui fait rire et gêne en même temps. Mais on est un peu gêné tout de même, face à ce film abrasif mais pas trop, par moment trash (il faut bien choquer le bourgeois) mais presque toujours mainstream. Bref, je doute qu’on se souvienne de ce côté de l’Atlantique de ce film, trop tempéré et tiède pour véritablement atteindre sa cible.

Matthieu

Fiche du film (Festival de Cannes)

Site officiel

Difficile d’entamer la journée avec un film aussi pesant. D’emblée la petite histoire se met en place, avec ses personnages principaux, ses petits costumes, son petit cadre historique. Des Irlandais se soulèvent et prennent les armes pour combattre les Anglais qui occupent et sévissent sur leur sol. Nous sommes dans les années 20, et le destin d’un jeune homme talentueux promis à une belle carrière dans la médecine bascule subitement. Tout le reste du film est réglé comme une horloge suisse et se déroule sans anicroche. A force c’est rasoir. Trop appliqué pour pouvoir intéresser, trop sage, trop volontairement touchant. Il est des films qui se contentent d’être seulement de petits illustrés, et celui-ci me donne cette impression. Illustration du conflit entre Irlandais et Anglais, des injustices criantes, des hésitations dans le camp des resistants, des conflits internes, chaque idée à sa scène et tout s’enchaîne sagement. Parfois c’est vrai, une distance de dessine. Les personnages - irlandais ou anglais - dès lors qu’ils sont en escouade, ont un je-ne-sais-quoi de ridicule et de burlesque. Maigre compensation, tout de même, à un traitement par ailleurs très appliqué et sérieux. Barbant !

Matthieu

Site officiel du film

C’est la première séquence, les images se succèdent de manière heurtée, racontent une histoire sans cacher leurs ficelles. Un garçon et une fille, qui reçoit une lettre d’admission à l’université de Pékin, doit partir et forcément dire adieu, quitter son copain. Tout ça s’enchaîne de manière mécanique, presque trop. Et puis le plan-séquence se pose et change de visage. Là dans l’image se tient d’emblée quelque chose qui n’est plus de l’ordre de l’histoire. Ils baisent dans l’herbe une dernière fois, puis s’écartent l’un de l’autre un peu comme des étrangers. Voilà c’est fini. C’est dur. Juste là, on rentre dans une nouvelle dimension, l’histoire et son schéma un peu trop saillant se trouvent court-circuités. On touche d’emblée à la fulgurance. Première montée d’adrénaline, qui en annonce d’autres.

L’histoire d’une fille et d’un garçon, d’une bande autour d’eux, du je t’aime moi non plus, je te trompe mais je t’aime, on baise ensemble mais je te quitte, etc. etc. Rien que des histoires élémentaires, qui coulent de source et charrient allégrement leur poids de romanesque, de tragique, de mélancolie. Elémentaire cette envie, ce besoin de jouir et d’inventer simplement – qui n’en a jamais rêvé à 20 ans – une utopie à deux, une utopie de bande à part, loin de tout, qui va à l’essentiel. On trouve là la fougue et le désespoir d’un amour qu’on a déjà vu mille fois, mais qui – parce qu’il est conté de manière brutale, lyrique mais aussi bousculée, nous plonge dans une espèce de plaisir béa. Pas peur de dire que je marche, que dans l’excès de jeu et de plans, réside une profonde justesse. Dur d’expliquer ça, de faire parler cette certitude. C’est, comment dire, pas parce que cette fille nous parle, mais parce que perce à travers elle quelque chose d’une histoire vécue et restituée de l’intérieur. Non seulement ces personnages existent à l’écran, mais l’on sent que cette existence ne suffit pas, qu’elle déborde de tous les côtés, procède d’un passé encore ouvert, d’une mémoire toujours à vif, d’un désir étonnamment ardent, de tout ça à la fois, qu’elle est enfantée dans l’urgence et surtout la nécessité.

Alors bien sûr, d’autres dénonceront un certain maniérisme, pas mal de plumes qui volent dans le cadre, des vagues à l’âmes serrés de prés, des crises passionnelles. Evidemment. Mais aussi une construction un peu à la Wong Kar Wai, qui rappelle 2046 par son côté tarabiscoté et qui dans le même temps conserve une très forte unité à travers le voix, le monologue de cette fille, qui est un mélange de petits clichés et de subtiles pensées. Une actrice comme ça, qui pèse autant dans l’écran, habite en monstre un film qu’elle porte tout entier, une actrice comme ça existe c’est tout. Ni juste ni fausse, elle se contente de s’imposer de manière complètement arbitraire, qu’on aime ou non. Et puis de toute façon elle emporte la mise. C’est gagné d’avance.

Il faut revoir Summer Palace, aller puiser dans sa fougue, sa beauté et son amertume, accepter le parti pris d’une mélancolie toujours bousculée, malmenée par la petite et la grande histoire, brute et brutale. Accepter d’être balancé, de participer du grand vertige qui anime et porte tout le film.
Matthieu

Toujours dans le cadre de la plage du Rado et de l’ouverture de la Semaine internationale de la critique, M. Mortazavi nous fait l’amabilité de répondre à quelques questions.

Mani Mortazavi est l’un des producteurs des Amitiés Maléfiques avec Y. Le Saux, et cette entrevue est l’occasion d’aborder les exigences et les défis d’un métier méconnu, celui de producteur