Red Road sort aujourd’hui dans les salles. Film pas facile, et en même temps très appliqué.

Une femme travaille dans un centre de surveillance et passe ses journées à regarder les gens passer dans la rue. Parfois elle surprend un délit, qu’elle signale aussitôt. Mais c’est autre chose qui l’amène, on ne sait trop pourquoi, à suivre un homme. Tout le film se construit sur ce secret, sur le soupçon ou l’attirance.

Dans ses pérégrinations, la femme découvre un nouvel espace, périphérique et pauvre, jalonné d’imposantes barres d’immeubles. Un lieu extrêmement austère d’où émane une sourde violence. Peu à peu je ne veux plus savoir, le secret finalement devient accessoire, car le lieu prend le pouvoir, définit les règles. Et la règle est simple : c’est la rétention. Chacun garde pour soi, son passé, ses désirs, ses expressions. Chacun reste au dedans et ne communique que par tentative, main tendue hésitante ou éruption de violence momentanée. Dans les centres de rétention que sont les tours d’immeubles, on reste terrés comme des rats, parfois on ouvre la fenêtre mais alors c’est le vide qu’on sent. Se terrer ou sombrer, c’est ça l’alternative. Centre de rétention pour cette femme qui retient le souvenir de son mari et de son enfant morts et part s’enfermer dans les tours à la recherche du coupable, pour le faire payer.

Le film s’ouvre sur la fin, sort de ces pièces closes et obscures, de ces images innombrables d’écrans de surveillance, sors dans la rue tout simplement, car c’est dans la rue que tout recommence. Comme si le film ne faisait que commencer alors qu’il finit, qu’il n’avait été qu’un suspend, une parenthèse.

Matthieu

(mai 2006)

Red Road

Durée : 1h53

Réalisation : Andrea Arnold
Scénario : Andrea Arnold

Montage : Nicolas Chaudeurge
Chef décoratrice : Helen Scott
Ingénieur du son : Martin Belshaw
Directrice du casting : Kathleen Crawford

Production : Sigma Films Ltd (Angleterre) & Zentropa Entertainments (Danemark)

Producteur : Carrie Comerford & Robbie Ryan

Distribution (France) : Equation
Attachée de presse : Vanessa Jerrom

Frank Costello (Jack Nicholson) est le “Parrain” de la pègre irlandaise de Boston. Billy Costigan (Léonardo Di Caprio) est un bleu, issu des quartiers pauvres, infiltré dans le gang de Costello. Colin Sullivan (Matt Damon) est une taupe de Costello infiltrée dans la police.

Ce n’est plus New York et sa Little Italy mais les quartiers irlandais de Boston, avec là encore ces rues tenues par le grand banditisme. Paradoxalement, Martin Scorcese met en avant ce qu’il y a de meilleur chez ces hommes, même les pires, et mêle dans Les infiltrés les bons aux plus rebelles, comme venus du même sang.

Adapté d’Infernal Affairs, film hongkongais à grand succès, Les Infiltrés, c’est avant tout un long métrage musclé et viril, traitant du destin et de la liberté, un film sombre, tendu, nerveux sur les affres d’un système corrompu, corrompu à l’échelle d’un pays, un film d’action, dont les dialogues manquent pourtant cruellement de verve. On est loin de «Casino», on est loin de la puissance des « Affranchis ».

Et finalement, l’ensemble reste assez terne et sans surprise.

Alexandra
Les Infiltrés
le site officiel : http://www.tfmdistribution.com/thedeparted/
Un film de Martin Scorcese
Durée : 2h32 minutes
Avec notamment Jack Nicholson, Matt Damon, Leonardo di Caprio
Scénario : William Monahan (adaptation du film Internal Affairs)
Image : Michael Ballhaus
Musique originale : Howard Shore
Un film produit par Warner Bros
Distribution France : TFM Distribution

On trouve parfois des procédés stylistiques qui résument toute la démarche d’un cinéaste. Chez Bong Joon-Ho, dont le surprenant The Host est sorti cette semaine, le travelling filé se fait le moteur d’une sensation de pertes et d’apparitions mêlées.

Belle illustration de l’idée de poursuite, ce type de plan, conjugué à de fréquents ralentis, capte les visages et les corps des hommes en course, fuyant le monstre. Jamais assez synchrone pour pouvoir établir un accord de vitesse entre les personnages et la caméra, le système de Bong donne une impression de déraillement. Dans son précédent film sorti sur nos écrans, Memories of Murder, une scène donnait à voir, toujours avec la même chorégraphie de la pagaille, des hommes se précipitant dans un champ pour découvrir un cadavre. Ralenti et travelling latéral incertains. Là encore, il s’agissait d’imprimer la panique des individus sur un environnement mouvant.

Que reste-t-il dans le plan lorsque le travelling, trop rapide ou trop lent, perd la forme humaine qu’il essaie de suivre ? Dans The Host, c’est d’abord une puissance esthétique et figurale abstraite, striée ou courue, digne du stylisme de King Hu. Mais ce mélange coloré et difforme des lignes décrit aussi une zone incertaine où il est permis à tout et n’importe quoi d’apparaître. En témoignent les visages toujours plus effrayés des victimes qui s’effacent puis reviennent, qui s’abaissent puis se redressent pour revenir au centre du plan.

Par ce principe voilé d’apparition et de disparition, on touche à une des première forces du cinéma (l’arrivée de quelque chose dans l’image), mais surtout on justifie la présence du monstre dans le système du film. C’est par ce seul principe que la mutation grotesque de The Host pourra naître, disparaître, toujours venir nous agresser et nous assaillir au sein du plan. C’est grâce à la répétition du procédé qu’on y croit.

De manière plus générale, le travelling employé par Bong place le spectateur dans une posture constamment aux aguets. On attend la surprise, on guette dans le malstrom ce qui pourra en surgir. On accepte le jaillissement de l’intrus avec beaucoup de plaisir. Et Bong multiplie les sautes ; il mélange les tonalités, brouille les régimes, donne au traitement de son histoire une liberté tout à fait agréable.

Il permet l’inattendu. À la farce grasse succède un instant de poésie impromptu - les personnages existent, nous dévoilent leurs tourments. Comme un symptôme du monde qui l’entoure (la satire à la Docteur Folamour ou le train-train de la société coréenne), l’insolite apparaît sans crier gare, tout comme le monstre, surgissant de l’abstraction des formes, nous semblait un symptôme possible du plan, un « hôte » qui le parasite et l’habite. Cette fraîcheur des possibles donne à The Host son charme imparfait, épaisseur originale et étonnante promise au film. Il faut fuir le voir.

Victor Moisan

Los Angeles, années 40 : carrefour des assassins

Los Angeles brûle, la ville croule sous la corruption et la violence, on découvre le corps d’une jeune femme atrocement mutilé. Les inspecteurs Blanchard (Aaron Eckhart), routard abîmé, et Bleichert (Josh Hartnett) un jeune policier un peu idéaliste, sont chargés de mener cette affaire délicate. L’enquête est un coupe-gorge. Les cadavres se multiplient. Entre secrets de famille, amours clandestins et vengeance, les deux coéquipiers déambuleront dans un macabre labyrinthe, ayant pour unique sortie, les confins du sordide.

Les agents de police sont des boxeurs. Ils montent sur les rings, pour gagner de l’argent ou évacuer les frustrations. Les combats sont truqués, les amours crapuleuses. Le sang transpire. Rien n’échappe au vice, ou à la destruction, pas même le triangle amoureux que forment les deux inspecteur et Kay (Scarlett Johansson), jeune femme aussi fatale que trouble.

Tout nouvel élément d’enquête produit un cadavre de plus. Les masques résistent, le drame est là, bien serré autour des Linscott, une mystérieuse et puissante famille. Le malsain semble inépuisable tout comme la fascination lugubre de Bleichert pour Maddie (Hilary Swank) aînée des Linscott et sosie du cadavre encore frais. Restent l’obscur passé de Kay et celui de Blanchard. La vérité est effroyable et ne laissera personne indemne.

De Palma rend hommage au livre, ne le malmène pas

Cette version cinématographique du « Dahlia noir », best seller de James Ellroy, est certes simplifiée et plus limpide que l’angoissant roman mélange de névroses incurables, de cauchemars et d’indécence. Mais Brian de Palma reste efficace, l’adaptation est élégante, et n’empiète pas sur la noirceur propre à Ellroy.

En se détachant du livre, Brian De Palma s’est approprié Le Dahlia Noir, produisant une oeuvre plus sobre que l’univers ultra sanguinolent, purulent et névrotique d’ Ellroy. On peut le dire, au royaume du polar, l’écrit à rencontré l’image.
Alexandra

Ma note : 15/20

Le site officiel du film

Je dois dire que le film est en effet plutôt singulier et permet de se replonger dans un cinéma qu’on avait quitté avec Tarnation et qui se fait rare, même au Etats-Unis. Un cinéma de l’intime, cru et sans complexe, qui n’a jamais la langue dans sa poche, use et abuse de sa liberté avec une joyeuse insouciance. Bien sûr, le film souffre d’une quantité de tics propres au cinéma américain : le film choral, le grand crescendo qui nous mène jusqu’au dénouement, les sourires de facades et le malaise général, bref tous les ingrédients du film indépendant americain à succés. Mais on sent quelque chose de plus, de l’ordre du documentaire.

Couette fait une apparition au début, comme pour signer le film, renseigner sur sa provenance et l’ancrer un peu plus côté Est. Car il est difficile d’imaginer Shortbus en dehors de New York, tant le libertinage qui y est décrit a quelque chose de réjouissant et spirituel. Tout cela ramène aux années 70, non pas celle des Beatniks mais celles du Velvet et de la Factory, de la débauche un peu trash et tendance d’une joyeuse bande de délurés prête à tout pour se distraire.

De films en films Larry Clark esquisse à sa manière une communauté adolescente unie autour d’une pratique décomplexée du sexe. Shortbus, tout en étant plus riche et touffu, donne à voir une communauté d’aujourd’hui unie autour du plaisir et du don, mais également de la solitude et de la misère. Le final très cheesy tente bien de gommer l’aspect macabre du film en célébrant la communauté dans l’orgasme général, mais c’est déjà perdu. On y croit plus, la communauté n’est plus qu’un espoir, un horizon vers lequel il est possible de tendre, comme on tend vers l’orgasme.

Matthieu

Lui, c’est un jeune Lord séduisant doublé d’un homme d’affaires cultivé qui s’investit en politique.
Elle, c’est une jeune étudiante américaine à qui un journaliste décédé souffle d’outre-tombe un scoop à peine croyable : ce jeune Lord serait en fait un serial killer.

Mais voilà, la jeune fille tombe amoureuse du jeune Lord. Et seul y croit maintenant un vieux prestidigitateur bavard, “de confession israélite, récemment converti au narcissisme”.
Après le sombre et puissant Match Point, l’Angleterre de Woody Allen, décidément bien noire, se couvre avec Scoop d’un honnête voile de comédie. Attention, si le suspens n’est pas réellement au rendez-vous et si le scénario paraît parfois bien léger, le film ne présente pas de temps mort et reste porté par ses interprètes et l’art consommé de Woody Allen pour les mots d’esprit.

Jean-Jacques

Ma note : 13/20

Dans l’automne sans fin de la vie politique française, un homme est arrivé. Il avait découvert internet il y a quinze ans, et quelque temps après avoir remporté la majorité des suffrages lors de l’élection présidentielle américaine, il avait fondé une chaîne de télévision participative avec Google, www.current.tv.

Al Gore venait à Paris pour présenter un film et le Parlement empressé le retrouva pour une projection privée très très médiatisée, dont on retiendra un apparent consensus : il est urgent d’agir. Pour cette raison, on aurait pu rebaptiser le titre en quelque chose comme « Une vérité sans écho ».

Résumons le sujet du film.

Sur notre planète, l’activité humaine (industrie, transports, agriculture…) produit une augmentation du taux de dioxyde de carbone dans l’air, provoquant en retour une augmentation de la température moyenne (il fait plus chaud) : c’est le phénomène de réchauffement climatique, le grand enjeu écologique auquel la communauté internationale a souhaité répondre avec le Protocole de Kyoto, prévoyant le gel des émission de dioxyde de carbone au niveau de 1990.

Le réchauffement de la planète entraîne déjà des conséquences observables. Si l’eau potable provenait auparavant, très largement, des glaciers ; aujourd’hui, les glaciers disparaissent. Au cœur de l’Afrique, le Kilimandjaro, était couvert par les neiges éternelles et Ernest Hemingway en avait fait le théâtre d’une nouvelle sur l’Afrique, adaptée au cinéma avec notamment Ava Gardner et Gregory Peck. Dans moins de dix ans, les neiges du Kilimandjaro auront disparu.

Si certaines conséquences du réchauffement climatique sont déjà observables, celles à venir risquent d’entraîner des phénomènes géopolitiques majeurs : la montée du niveau des mers entraînera la disparition de millions de kilomètres de terres cultivées et l’exode de millions de personnes, la disparition de terres habitables (Hollande, Bangladesh, Inde, Chine, Etats-Unis, etc.) et cultivables privant certains pays de ressources fondamentales pour leur équilibre. Le phénomène risque tout simplement d’affecter brutalement les relations internationales, en déséquilibrant subitement certaines puissances, démocratiques ou non.

Le documentaire d’Al Gore nous place ainsi devant notre inconséquence, inconséquence fondamentale d’un public informé qui sait courir au désastre et ne prend que des demi-mesures, quand il en prend. Nous courons au désastre, nous ne voulons pas le voir, pourquoi ? (1)

Déjà, la violence des phénomènes climatiques augmente le coût « humain » et financier des catastrophes naturelles actuelles (augmentation en nombre et en intensité des phénomènes violents comme les ouragans, et les tempêtes, phénomènes plus forts, plus réguliers ; raréfaction des pluies dans les zones arides, augmentation des précipitations dans les zones humides ; disparition des zones polaires).

Est-ce dû au fait que l’on pense que le réchauffement planétaire n’aurait d’effet fondamental qu’à très long terme ? C’est une erreur.

Un phénomène majeur comme celui de l’inversion de ce gigantesque climatiseur qu’est le Gulf Stream pourrait se produire en moins d’une dizaine d’années. L’Europe pourrait ainsi se retrouver sans son gigantesque climatiseur naturel et quelques millions d’Européens réaliser que Londres ou Paris sont plus au nord que Montréal.

Est-ce dû au fait que le phénomène de réchauffement climatique soit en fait naturel et non pas provoqué par l’homme ? c’est une erreur, encore. Aucune publication scientifique, oui, aucune, ne conteste le lien entre l’augmentation de la température du globe et l’augmentation de la concentration en dioxyde de carbone.

C’est peut-être là toute la folie de la société actuelle qui, happée dans un spectacle général, connaissant ses périls, agissant sans détermination, partout trop faiblement, semble se représenter la réalité comme une fiction, et l’avenir comme une hypothèse.

Alors, bien sûr, on a connu des documentaires plus vifs, des spectacles divertissants sur ce thème, des films très spectaculaires comme « Le Jour d’après », un peu moins de sérieux, et plus d’émotion, mais « Une Vérité qui dérange » ne s’adresse pas à un spectateur, ce film s’adresse à un citoyen auquel il n’offre pas de flatter le regard par une succession de représentations habiles ou sensationnelles mais à qui il propose d’énumérer, de lister, de relier les phénomènes pour en dégager les causes, en matérialiser l’existence. C’est un hommage à la nature, littéralement, un hommage au réel, afin qu’il existe, au-delà de l’information, une conscience du monde, une réaction.

Ce film est un film pour agir. L’on pourra retrouver, d’ailleurs, une liste de gestes pour économiser l’énergie sur le site www.criseclimatique.fr

Jean-Jacques

Ma note : 17/20

(1) A ce sujet, on pourra utilement se référer au livre de Jean-Pierre Dupuy, « Pour un catastrophisme éclairé »

Alain, la cinquantaine, est ce que l’on appelle un chanteur de bal, de thés dansant, qui enchaîne les galas en province ; c’est en musique qu’il aperçoit Marion, une jeune mère célibataire et perdue, qui retient tout de suite son attention.

Cette rencontre est une chanson tendre et pudique, rythmée par une peur d’aimer incessante que le réalisateur a su filmer, tout en retenue, dans une simplicité et une justesse qui ne s’encombrent jamais d’amertume, faisant de ce film un tableau remarquable de vérité, la danse de deux êtres tour à tour maladroits et attentionnés, qui valsent ou s’échappent au son de leurs émotions.

« Quand j’ étais chanteur » ne tombe jamais dans les poncifs de l’écart d’âge, les deux cœurs sont blessés mais leur solitude reste élégante, sûrement la marque d’un réalisateur sensible qui a su capter la musique du cœur, au plus près du trouble, sans fioritures. Ce film est la partition touchante d’une rencontre ordinaire, au ton rare : celui de la sincérité.

Alexandra

NDLR : “Quand j’étais chanteur” est le troisième long métrage de Xavier Giannoli après “Les corps impatients” et “Une aventure” mais aussi “L’interview”, palme d’or du meilleur court-métrage à Cannes en 1999.