“Je n’avais pas l’argent nécessaire pour produire un film, j’ai commencé à écrire un livre…”

Ainsi parlait Christopher Paolini, auteur du roman d’heroic fantasy Eragon aujourd’hui adapté au cinéma en un film fantastique réunissant un casting prestigieux (Jeremy Irons, Rachel Weisz, Robert Carlyle, John Malkovitch) et réalisé par un spécialiste des effets spéciaux, Stefen Fangmeier.
L’histoire ?

En terre d’Alagaësia, les Dragons avaient fait don à leurs Dragonniers de pouvoirs magiques et même de l’immortalité. Aucun ennemi ne pouvait les vaincre… jusqu’à ce que l’un des leurs, Galbatorix, décide de s’approprier tous ces pouvoirs en détruisant tous les autres Dragonniers.

Un jeune homme, Eragon, découvre un oeuf étrange aux lueurs bleues, qui donne naissance à un Dragon femelle. Il le baptise Saphira.

Le temps des Dragonniers est revenu…

“Eragon”

Site officiel

Durée : 1h45

Réalisation : Stefen Fangmeier
Scénario : Peter Buchman, Lawrence Konner, Mark Rosenthal, Jesse Wigutow
D’après l’oeuvre de Christopher Paolini

Avec notamment : Edward Speleers, Jeremy Irons, Rachel Weisz, Robert Carlyle, Sienna Guillory, John Malkovich

Directeur de la photographie : Hugh Johnson
Compositeur : Patrick Doyle
Monteur : Roger Barton
Chef décorateur : Wolf Kroeger
Costumière : Kym Barrett

Effets visuels: Industrial Light & Magic (ILM) & Weta Digital

Producteur : John Davis, Wyck Godfrey, Roger Barton
Production : Fox 2000 Pictures
Distribution : 20th Century Fox France

Attachée de presse : Michèle Abitbol-Lasry, Séverine Lajarrige

Ils le revendiquent sans complexe, le film est “dégueulasse”, en 2D à l’ère des superbes films d’animation !

Mais, comme le disait quelqu’un, le bon goût est l’ennemi de l’art !

“Les Simpsons, le film”, c’est le 27 juillet 2007, sur tous les écrans du monde…

Rien que ça…

“Les Simpsons, le film”
Un film de David Silverman

Le site officiel du film

Film écrit et réalisé par Joe Carnahan, Smokin’Aces, c’est la vie de Buddy Israel, un comédien et magicien qui après être devenu gangster, décide, à Las Vegas, de témoigner contre la Mafia.

Avec notamment : Ben Affleck, Andy Garcia, Alicia Keys

Sortie prévue le 28 mars 2007

Red Road sort aujourd’hui dans les salles. Film pas facile, et en même temps très appliqué.

Une femme travaille dans un centre de surveillance et passe ses journées à regarder les gens passer dans la rue. Parfois elle surprend un délit, qu’elle signale aussitôt. Mais c’est autre chose qui l’amène, on ne sait trop pourquoi, à suivre un homme. Tout le film se construit sur ce secret, sur le soupçon ou l’attirance.

Dans ses pérégrinations, la femme découvre un nouvel espace, périphérique et pauvre, jalonné d’imposantes barres d’immeubles. Un lieu extrêmement austère d’où émane une sourde violence. Peu à peu je ne veux plus savoir, le secret finalement devient accessoire, car le lieu prend le pouvoir, définit les règles. Et la règle est simple : c’est la rétention. Chacun garde pour soi, son passé, ses désirs, ses expressions. Chacun reste au dedans et ne communique que par tentative, main tendue hésitante ou éruption de violence momentanée. Dans les centres de rétention que sont les tours d’immeubles, on reste terrés comme des rats, parfois on ouvre la fenêtre mais alors c’est le vide qu’on sent. Se terrer ou sombrer, c’est ça l’alternative. Centre de rétention pour cette femme qui retient le souvenir de son mari et de son enfant morts et part s’enfermer dans les tours à la recherche du coupable, pour le faire payer.

Le film s’ouvre sur la fin, sort de ces pièces closes et obscures, de ces images innombrables d’écrans de surveillance, sors dans la rue tout simplement, car c’est dans la rue que tout recommence. Comme si le film ne faisait que commencer alors qu’il finit, qu’il n’avait été qu’un suspend, une parenthèse.

Matthieu

(mai 2006)

Red Road

Durée : 1h53

Réalisation : Andrea Arnold
Scénario : Andrea Arnold

Montage : Nicolas Chaudeurge
Chef décoratrice : Helen Scott
Ingénieur du son : Martin Belshaw
Directrice du casting : Kathleen Crawford

Production : Sigma Films Ltd (Angleterre) & Zentropa Entertainments (Danemark)

Producteur : Carrie Comerford & Robbie Ryan

Distribution (France) : Equation
Attachée de presse : Vanessa Jerrom

Dernier film de Pierre Salvadori à qui l’on doit notamment “Après vous”, avec Daniel Auteuil et José Garcia, “Hors de Prix” sortira dans une semaine et raconte l’histoire de Jean (Gad Elmaleh) et d’Irène (Audrey Tautou)
: serveur timide dans un grand hôtel, Jean passe pour un milliardaire aux yeux d’Irène car Irène est une femme intéressée.

De quoi méditer l’une des plus élégantes répliques d“A bout de Souffle”, de Jean-Luc Godard, sur un scénario de François Truffaut, énoncée, de mémoire, par Jean-Pierre Melville sur le tarmac d’Orly : “il n’y a que deux choses vraies dans la vie, les hommes aiment les femmes et les femmes aiment l’argent”.

“Hors de Prix”

Durée : 1h43
Réalisation : Pierre Salvadori
Scénario : Pierre Salvadori et Benoît Graffin
Avec notamment : Audrey Tautou, Gad Elmaleh
Image : Gilles Henry
Son : François Maurel, Christophe Winding, Joel Rangon
BOF : Camille Bazbaz (musique originale)
Production : Les Films Pelléas

Lorsque l’on signe deux premiers films aussi originaux et ambitieux que Pi et Requiem for a Dream, votre troisième oeuvre est très, très attendue.

The Fountain, la Fontaine de Jouvence, est la troisième oeuvre de Darren Aronofsky.

L’histoire :

Espagne, 16ème siècle, Tomas :

Le Conquistador Tomas (Hugh Jackman) part en quête de la légendaire Fontaine de jouvence, censée offrir l’immortalité.

Aujourd’hui, Tommy Creo :

Un scientifique cherche désespérément le traitement capable de guérir le cancer qui ronge son épouse, Izzi (Rachel Weisz).

Au 26ème siècle, Tom :

Tom, astronaute, prend conscience des mystères qui le hantent. Guerrier, scientifique, explorateur, les trois identités parviennent à trouver l’unité.

The Fountain, sortie en salles le 27 décembre 2006.

Avec notamment Hugh Jackman (Scoop, X-Men…), Rachel Weisz (The Constant Gardener, Eragon…)
Réalisation : Darren Aronofsky
Scénario : Darren Aronofsky & Ari Handel
Image : Matthew Libatique
Durée : 1h36
BOF : Clint Mansell
Production : Warner Bros

En salles le 6 décembre 2006, la Nativité, c’est bien sûr l’histoire de la naissance du Christ.

Le film est réalisé par Catherine Hardwicke à qui l’on doit l’un des films les plus durs et désenchantés, Thirteen, consacré à la fin de l’enfance, et au début d’adolescence ultramatérialiste et sans idéal.

Catherine Hardwicke, avant de passer à la réalisation, était décoratrice (production designer). C’est notamment elle qui fut choisie sur le remake du fascinant second film d’Alejandro Amenabar, Abre le Ojos (Ouvre les yeux), dont les droits avaient été rachetés par Tom Cruise et qui donna Vanilla Sky.

La Nativité, un film de Catherine Hardwicke, sortie en salles le 6 décembre 2006

Avec : Keisha Castle-Hughes, Oscar Isaac, Shohreh Aghdashloo
Réalisation : Catherine Hardwicke
Scénario : Mike Rich
Durée : 1h41
Image : Elliot Davis
BOF : Mychael Danna

Production : New Line Cinema

“L’Etoile du Soldat” est le dernier film de Christophe de Ponfilly, un réalisateur, écrivain et journaliste qui nous a malheureusement quitté le 16 mai dernier. Christophe de Ponfilly avait été l’un des proches du Commandant Massoud et avait consacré une grande partie de sa vie à la cause afghane.

Sous la forme d’une fiction, “L’Etoile du Soldat” rend compte du chaos afghan de 1984 à l’assassinat de Massoud, quelques jours avant le 11 Septembre, à travers l’histoire d’un soldat soviétique, Nikolai, guitariste, emprisonné par les moudjahiddins du Commandant Massoud, qui rencontre un musicien de l’autre camp, un musicien afghan, ainsi qu’un journaliste français, joué par le reporter de guerre, Patrick Chauvel.

On trouve parfois des procédés stylistiques qui résument toute la démarche d’un cinéaste. Chez Bong Joon-Ho, dont le surprenant The Host est sorti cette semaine, le travelling filé se fait le moteur d’une sensation de pertes et d’apparitions mêlées.

Belle illustration de l’idée de poursuite, ce type de plan, conjugué à de fréquents ralentis, capte les visages et les corps des hommes en course, fuyant le monstre. Jamais assez synchrone pour pouvoir établir un accord de vitesse entre les personnages et la caméra, le système de Bong donne une impression de déraillement. Dans son précédent film sorti sur nos écrans, Memories of Murder, une scène donnait à voir, toujours avec la même chorégraphie de la pagaille, des hommes se précipitant dans un champ pour découvrir un cadavre. Ralenti et travelling latéral incertains. Là encore, il s’agissait d’imprimer la panique des individus sur un environnement mouvant.

Que reste-t-il dans le plan lorsque le travelling, trop rapide ou trop lent, perd la forme humaine qu’il essaie de suivre ? Dans The Host, c’est d’abord une puissance esthétique et figurale abstraite, striée ou courue, digne du stylisme de King Hu. Mais ce mélange coloré et difforme des lignes décrit aussi une zone incertaine où il est permis à tout et n’importe quoi d’apparaître. En témoignent les visages toujours plus effrayés des victimes qui s’effacent puis reviennent, qui s’abaissent puis se redressent pour revenir au centre du plan.

Par ce principe voilé d’apparition et de disparition, on touche à une des première forces du cinéma (l’arrivée de quelque chose dans l’image), mais surtout on justifie la présence du monstre dans le système du film. C’est par ce seul principe que la mutation grotesque de The Host pourra naître, disparaître, toujours venir nous agresser et nous assaillir au sein du plan. C’est grâce à la répétition du procédé qu’on y croit.

De manière plus générale, le travelling employé par Bong place le spectateur dans une posture constamment aux aguets. On attend la surprise, on guette dans le malstrom ce qui pourra en surgir. On accepte le jaillissement de l’intrus avec beaucoup de plaisir. Et Bong multiplie les sautes ; il mélange les tonalités, brouille les régimes, donne au traitement de son histoire une liberté tout à fait agréable.

Il permet l’inattendu. À la farce grasse succède un instant de poésie impromptu - les personnages existent, nous dévoilent leurs tourments. Comme un symptôme du monde qui l’entoure (la satire à la Docteur Folamour ou le train-train de la société coréenne), l’insolite apparaît sans crier gare, tout comme le monstre, surgissant de l’abstraction des formes, nous semblait un symptôme possible du plan, un « hôte » qui le parasite et l’habite. Cette fraîcheur des possibles donne à The Host son charme imparfait, épaisseur originale et étonnante promise au film. Il faut fuir le voir.

Victor Moisan