Red Road sort aujourd’hui dans les salles. Film pas facile, et en même temps très appliqué.

Une femme travaille dans un centre de surveillance et passe ses journées à regarder les gens passer dans la rue. Parfois elle surprend un délit, qu’elle signale aussitôt. Mais c’est autre chose qui l’amène, on ne sait trop pourquoi, à suivre un homme. Tout le film se construit sur ce secret, sur le soupçon ou l’attirance.

Dans ses pérégrinations, la femme découvre un nouvel espace, périphérique et pauvre, jalonné d’imposantes barres d’immeubles. Un lieu extrêmement austère d’où émane une sourde violence. Peu à peu je ne veux plus savoir, le secret finalement devient accessoire, car le lieu prend le pouvoir, définit les règles. Et la règle est simple : c’est la rétention. Chacun garde pour soi, son passé, ses désirs, ses expressions. Chacun reste au dedans et ne communique que par tentative, main tendue hésitante ou éruption de violence momentanée. Dans les centres de rétention que sont les tours d’immeubles, on reste terrés comme des rats, parfois on ouvre la fenêtre mais alors c’est le vide qu’on sent. Se terrer ou sombrer, c’est ça l’alternative. Centre de rétention pour cette femme qui retient le souvenir de son mari et de son enfant morts et part s’enfermer dans les tours à la recherche du coupable, pour le faire payer.

Le film s’ouvre sur la fin, sort de ces pièces closes et obscures, de ces images innombrables d’écrans de surveillance, sors dans la rue tout simplement, car c’est dans la rue que tout recommence. Comme si le film ne faisait que commencer alors qu’il finit, qu’il n’avait été qu’un suspend, une parenthèse.

Matthieu

(mai 2006)

Red Road

Durée : 1h53

Réalisation : Andrea Arnold
Scénario : Andrea Arnold

Montage : Nicolas Chaudeurge
Chef décoratrice : Helen Scott
Ingénieur du son : Martin Belshaw
Directrice du casting : Kathleen Crawford

Production : Sigma Films Ltd (Angleterre) & Zentropa Entertainments (Danemark)

Producteur : Carrie Comerford & Robbie Ryan

Distribution (France) : Equation
Attachée de presse : Vanessa Jerrom

Frank Costello (Jack Nicholson) est le “Parrain” de la pègre irlandaise de Boston. Billy Costigan (Léonardo Di Caprio) est un bleu, issu des quartiers pauvres, infiltré dans le gang de Costello. Colin Sullivan (Matt Damon) est une taupe de Costello infiltrée dans la police.

Ce n’est plus New York et sa Little Italy mais les quartiers irlandais de Boston, avec là encore ces rues tenues par le grand banditisme. Paradoxalement, Martin Scorcese met en avant ce qu’il y a de meilleur chez ces hommes, même les pires, et mêle dans Les infiltrés les bons aux plus rebelles, comme venus du même sang.

Adapté d’Infernal Affairs, film hongkongais à grand succès, Les Infiltrés, c’est avant tout un long métrage musclé et viril, traitant du destin et de la liberté, un film sombre, tendu, nerveux sur les affres d’un système corrompu, corrompu à l’échelle d’un pays, un film d’action, dont les dialogues manquent pourtant cruellement de verve. On est loin de «Casino», on est loin de la puissance des « Affranchis ».

Et finalement, l’ensemble reste assez terne et sans surprise.

Alexandra
Les Infiltrés
le site officiel : http://www.tfmdistribution.com/thedeparted/
Un film de Martin Scorcese
Durée : 2h32 minutes
Avec notamment Jack Nicholson, Matt Damon, Leonardo di Caprio
Scénario : William Monahan (adaptation du film Internal Affairs)
Image : Michael Ballhaus
Musique originale : Howard Shore
Un film produit par Warner Bros
Distribution France : TFM Distribution

En salles le 6 décembre 2006, la Nativité, c’est bien sûr l’histoire de la naissance du Christ.

Le film est réalisé par Catherine Hardwicke à qui l’on doit l’un des films les plus durs et désenchantés, Thirteen, consacré à la fin de l’enfance, et au début d’adolescence ultramatérialiste et sans idéal.

Catherine Hardwicke, avant de passer à la réalisation, était décoratrice (production designer). C’est notamment elle qui fut choisie sur le remake du fascinant second film d’Alejandro Amenabar, Abre le Ojos (Ouvre les yeux), dont les droits avaient été rachetés par Tom Cruise et qui donna Vanilla Sky.

La Nativité, un film de Catherine Hardwicke, sortie en salles le 6 décembre 2006

Avec : Keisha Castle-Hughes, Oscar Isaac, Shohreh Aghdashloo
Réalisation : Catherine Hardwicke
Scénario : Mike Rich
Durée : 1h41
Image : Elliot Davis
BOF : Mychael Danna

Production : New Line Cinema

“L’Etoile du Soldat” est le dernier film de Christophe de Ponfilly, un réalisateur, écrivain et journaliste qui nous a malheureusement quitté le 16 mai dernier. Christophe de Ponfilly avait été l’un des proches du Commandant Massoud et avait consacré une grande partie de sa vie à la cause afghane.

Sous la forme d’une fiction, “L’Etoile du Soldat” rend compte du chaos afghan de 1984 à l’assassinat de Massoud, quelques jours avant le 11 Septembre, à travers l’histoire d’un soldat soviétique, Nikolai, guitariste, emprisonné par les moudjahiddins du Commandant Massoud, qui rencontre un musicien de l’autre camp, un musicien afghan, ainsi qu’un journaliste français, joué par le reporter de guerre, Patrick Chauvel.

On trouve parfois des procédés stylistiques qui résument toute la démarche d’un cinéaste. Chez Bong Joon-Ho, dont le surprenant The Host est sorti cette semaine, le travelling filé se fait le moteur d’une sensation de pertes et d’apparitions mêlées.

Belle illustration de l’idée de poursuite, ce type de plan, conjugué à de fréquents ralentis, capte les visages et les corps des hommes en course, fuyant le monstre. Jamais assez synchrone pour pouvoir établir un accord de vitesse entre les personnages et la caméra, le système de Bong donne une impression de déraillement. Dans son précédent film sorti sur nos écrans, Memories of Murder, une scène donnait à voir, toujours avec la même chorégraphie de la pagaille, des hommes se précipitant dans un champ pour découvrir un cadavre. Ralenti et travelling latéral incertains. Là encore, il s’agissait d’imprimer la panique des individus sur un environnement mouvant.

Que reste-t-il dans le plan lorsque le travelling, trop rapide ou trop lent, perd la forme humaine qu’il essaie de suivre ? Dans The Host, c’est d’abord une puissance esthétique et figurale abstraite, striée ou courue, digne du stylisme de King Hu. Mais ce mélange coloré et difforme des lignes décrit aussi une zone incertaine où il est permis à tout et n’importe quoi d’apparaître. En témoignent les visages toujours plus effrayés des victimes qui s’effacent puis reviennent, qui s’abaissent puis se redressent pour revenir au centre du plan.

Par ce principe voilé d’apparition et de disparition, on touche à une des première forces du cinéma (l’arrivée de quelque chose dans l’image), mais surtout on justifie la présence du monstre dans le système du film. C’est par ce seul principe que la mutation grotesque de The Host pourra naître, disparaître, toujours venir nous agresser et nous assaillir au sein du plan. C’est grâce à la répétition du procédé qu’on y croit.

De manière plus générale, le travelling employé par Bong place le spectateur dans une posture constamment aux aguets. On attend la surprise, on guette dans le malstrom ce qui pourra en surgir. On accepte le jaillissement de l’intrus avec beaucoup de plaisir. Et Bong multiplie les sautes ; il mélange les tonalités, brouille les régimes, donne au traitement de son histoire une liberté tout à fait agréable.

Il permet l’inattendu. À la farce grasse succède un instant de poésie impromptu - les personnages existent, nous dévoilent leurs tourments. Comme un symptôme du monde qui l’entoure (la satire à la Docteur Folamour ou le train-train de la société coréenne), l’insolite apparaît sans crier gare, tout comme le monstre, surgissant de l’abstraction des formes, nous semblait un symptôme possible du plan, un « hôte » qui le parasite et l’habite. Cette fraîcheur des possibles donne à The Host son charme imparfait, épaisseur originale et étonnante promise au film. Il faut fuir le voir.

Victor Moisan

Puissant, émouvant, dense, le dernier film de Guillaume Canet est un thriller passionnant, un thriller au ton juste qui, s’il ressemble à première vue au Fugitif, porte paradoxalement, toute la douceur, la force et l’humanité du cinéma de François Truffaut.

A voir absolument si vous ne l’avez pas déjà vu.

Jean-Jacques

Le site officiel
Ne le dis à personne

Réalisation : Guillaume Canet
Scénario original adapté de l’oeuvre d’Harlan Coben : Guillaume Canet, Harlan Coben, Philippe Lefebvre
Durée : 125 mns
Image : Christophe Offenstein

Alejandro González Inárritu compose avec Babel – récompensé cette année à Cannes par le Prix de la mise en scène – un hymne à l’homme-corps, avant tout chair et pulsations.

Un couple d’Américains en voyage dans le désert marocain. Une nounou mexicaine qui rentre marier son fils au pays. Une famille marocaine accusée à tort de terrorisme. Une adolescente tokyoïte sourde-muette à la découverte douloureuse de sa vie. Quatre pays. Quatre cultures. Quatre histoires. Une histoire.

Une histoire dans laquelle les vies s’entrecoupent et s’effleurent sans jamais s’entrechoquer. Mais cette structure scénique enchevêtrée, chorale, qui avait fait l’originalité de ses deux précédents films, Amores Perros (Amours chiennes) et 21 grammes, devient avec
Babel un système qui ne nous surprend plus même s’il fonctionne à merveille et reste toujours aussi jubilatoire.

Alejandro González Inárritu nous embarque ainsi dans une intrigue remarquablement ficelée qui nous tient en haleine mais, si la réalisation reste ferme, on éprouve cependant la désagréable impression d’être un peu trop pris par la main.

Ava

Réalisation : Alejandro González Inárritu
Scénario : Guillermo Arriaga (et idée originale)
Durée : 142 min

Los Angeles, années 40 : carrefour des assassins

Los Angeles brûle, la ville croule sous la corruption et la violence, on découvre le corps d’une jeune femme atrocement mutilé. Les inspecteurs Blanchard (Aaron Eckhart), routard abîmé, et Bleichert (Josh Hartnett) un jeune policier un peu idéaliste, sont chargés de mener cette affaire délicate. L’enquête est un coupe-gorge. Les cadavres se multiplient. Entre secrets de famille, amours clandestins et vengeance, les deux coéquipiers déambuleront dans un macabre labyrinthe, ayant pour unique sortie, les confins du sordide.

Les agents de police sont des boxeurs. Ils montent sur les rings, pour gagner de l’argent ou évacuer les frustrations. Les combats sont truqués, les amours crapuleuses. Le sang transpire. Rien n’échappe au vice, ou à la destruction, pas même le triangle amoureux que forment les deux inspecteur et Kay (Scarlett Johansson), jeune femme aussi fatale que trouble.

Tout nouvel élément d’enquête produit un cadavre de plus. Les masques résistent, le drame est là, bien serré autour des Linscott, une mystérieuse et puissante famille. Le malsain semble inépuisable tout comme la fascination lugubre de Bleichert pour Maddie (Hilary Swank) aînée des Linscott et sosie du cadavre encore frais. Restent l’obscur passé de Kay et celui de Blanchard. La vérité est effroyable et ne laissera personne indemne.

De Palma rend hommage au livre, ne le malmène pas

Cette version cinématographique du « Dahlia noir », best seller de James Ellroy, est certes simplifiée et plus limpide que l’angoissant roman mélange de névroses incurables, de cauchemars et d’indécence. Mais Brian de Palma reste efficace, l’adaptation est élégante, et n’empiète pas sur la noirceur propre à Ellroy.

En se détachant du livre, Brian De Palma s’est approprié Le Dahlia Noir, produisant une oeuvre plus sobre que l’univers ultra sanguinolent, purulent et névrotique d’ Ellroy. On peut le dire, au royaume du polar, l’écrit à rencontré l’image.
Alexandra

Ma note : 15/20

Le site officiel du film