Voici la présentation du film américano-russo-brésilien Sonhos de Peixe par Matthieu Chéreau, rédacteur en chef de Cinelogs, membre du jury de sélection de la Semaine internationale de la critique 2006.

www.cinelogs.com : le weblog vidéo du cinéma

Inédit : couvert par Cinelogs, voici en intégralité le débat qui a suivi la projection du film brésilien Sonhos de Peixe lors de la Semaine internationale de la critique à Cannes (2006).

SONHOS DE PEIXE, un film de Kirill Mikhanovsky

SYNOPSIS : Dans un village de la côte nord-est du Brésil, Jusce, 17 ans, gagne à peine sa vie en plongeant à près de 30 mètres avec un matériel rudimentaire, pour pêcher des homards. A la fin de chacune de ces dangereuses journées, il ne rêve que d’une chose - rejoindre Ana, qui vit avec sa petite fille et sa mère, et s’asseoir à ses côtés pendant qu’elle savoure à la télé les aventures des citadins sophistiqués de son feuilleton préféré. Ana rêve de quitter son village pour découvrir le monde. Jusce lui, est content de la vie qu’il mène. Les autres pêcheurs, des amis de son père décédé, l’ont aidé à acheter et à rénover son propre bateau. Un jour Rogério, un vieil ami, revient au village avec une d’une buggy rouge, après ses expériences dans la capitale. Le jour où Rogério ramène Jusce chez Ana marque le début de leur rivalité pour attirer l’attention de la jeune femme. Jusce doit alors se réinventer s’il ne veut pas perdre Ana, attirée par Rogério et son style de vie aventureux.

Les films allemands cette année sont d’excellente qualité et nombreux étaient ceux qui, parmi les premiers et seconds films, avaient leur place à Cannes. Ping-Pong à la Semaine, Sommer 04 An Der Schlei à la Quinzaine permettent de se faire une idée assez précise de ce cinéma. Image froide et élégante, rythme tenu, mise en scène trés discrète, personnages structurés mais complexes, ce cinéma investi l’univers bourgeois afin de mettre au jour à la fois sa douceur et sa duplicité. L’adultaire n’est jamais loin, et presque naturel. Tout se passe sans heurt, il n’y a pas de crise. Les mots sont dits simplement, si bien qu’on sent parfois un profond hiatus entre les faits et la manière dont ils sont nommés et vécus. Rien n’est grave, ou la graveté n’est saisie qu’à distance. C’est ce calme qui frappe, cette forme trés sereine appliquée à un fond anxieux et momentanément troublé. Cette sauce prend trés bien et constitue, d’un film à l’autre, l’un des traits caractéristique de ce cinéma allemand.

Matthieu Chereau

J’hésite à parler du film. Pourquoi en dire du mal ? Simplement parce qu’il n’a pas sa place en compétition officielle, et que ce seul fait mérite d’être relevé. Le film fonctionne comme une grande galerie de portraits dans laquelle chacun joue son petit rôle. Il s’articule sur une ou deux idées, notamment la légende d’un homme qui jadis parti seul pour rejoindre le pôle nord. Pourquoi cette fuite, cette course à la solitude ? Mystère. Mais un mystère pas extrêmement épais et dont on se lasse vite. Oui la solitude est hésitante, oui elle est dure, oui elle est misérable, mais ces vies éparpillées sont elles-même bien fragiles et manquent parfois de consistance, d’existence. Ces solitudes n’existent pas pour la simple raison que les personnages se contentent de jouer leur texte. Le film se déroule bien sagement, chacun tenant sa partie et n’en faisant jamais trop. Film appliqué, et pourrait-on dire presque institutionnel. D’où sa production, sa séléction à Cannes, d’où sa pub, etc. etc. Un cinéma institutionnel, dont on aurait presque à rougir Cannes, tant il concentre les grands travers du cinéma français. Sur l’affiche d’OSS 117 à Cannes : “He is so french !”.

Matthieu Chereau

Voici un extrait de la conférence de presse du film américain BUG présenté dans le cadre de la Quinzaine des réalisateurs et réalisé par William Friedkin.

Site web de la Quinzaine des réalisateurs

Synopsis

Serveuse solitaire au passé tragique, Agnès loge dans un vieux motel et vit dans la peur de son ex-mari violent qui vient d’être libéré sur parole. Pourtant quand Agnès commence une relation sentimentale avec Peter, un homme excentrique et instable, elle retrouve espoir… jusqu’à ce que les premiers insectes arrivent.

Les festivals acceuillent volontiers des films conçus presque seulement pour eux et leur audience si particulière. Ou peut-être doit-on appréhender la question dans l’autre sens, ce sont les festivals qui fabriquent les attentes et les bruits, guettent la moindre sensation et créent les modes.

A leur manière, Hamaca Paraguaya et Taxidermie conviennent à merveille à Cannes. Hamaca lui apporte son sens l’épure, se fait l’étendard d’un cinéma d’amérique latine très composé, très conceptuel. C’est par excellence le film de festival ennuyeux bien qu’intéressant autour duquel l’espace d’un instant on se dit oui c’est fort (enfin dense plutôt que fort, cérébral quoi). Le sélectionneur lui-même s’est sans doute dit qu’il fallait le prendre pour sa radicalité, il avait sa place dans la sélection, bluff ou pas, ça n’était pas la question. Il y a je pense sans que ce soit vraiment dit, une sorte de quota pour de tels films, car ils ne peuvent exister qu’en festival, ou à la rigueur dans les musées. Cela dit il est bon qu’ils existent, qu’ils fassent ainsi la promotion non seulement d’un cinéma plus dur et plus élémentaire, mais également celle d’une autre expérience du cinéma et du temps, plus verticale qu’horizontale disons pour aller vite, où l’on attend rien. Où le but n’est pas d’attendre, mais de sentir.

De manière totalement opposée, Taxidermie est une sorte de film-monstre, fondamentalement baroque, avec du sexe, de l’orgie, de l’horreur bref une image qui tend constamment du côté de la surenchère, qui ne se contente pas d’être brute mais aussi vulgaire, laide et choquante. Ce film n’a rien pour plaire et pourtant s’y dessine en filigrane les contours d’un discours fort et gonflé sur l’histoire de la Hongrie, de la Seconde guerre mondiale à l’ère post-soviétique. Sur trois générations, les hommes et leurs corps se tranforment : douleur et fantasme des premiers temps, invention d’un nouvel homme dans le second qu’on goinffre à n’en plus pouvoir, puis finalement évidemment du corps. L’idéologie imprime sa marque sur un corps qui, pour avoir trop encaissé n’aspire plus qu’à la vacuité, au devenir-chose, comme s’il avait failli dans sa tâche, qu’être homme était trop pour lui, trop dangereux en tout cas, trop irréaliste aussi de n’être finalement ni plus ni moins qu’un homme. Film-monstre, sur la monstruosité. Comme on dit un film très humain. Vous voyez. Comme la barbarie à visage humain. Le film-monstre c’est ça. C’est cette humanité-là, son bilan critique.

Adel Adeeb, président de Good News Group, l’un des plus grands groupes de média égyptien, nous présente la stratégie de son groupe, ses développements récents dans le cinéma.

Good news a en effet produit ce film qui est annoncé par Variety comme le plus cher (6 millions de dollars) jamais produit par un pays arabe.

Good News Group is one of the biggest media group in the arab world and its CEO, Adel Adeeb, explains its strategy while presenting the world premiere of “Halim” in Cannes.

Seems like Egypt is gaining momentum in cinema with Good News Group which schedules another big project, about Al Qaeda, after Halim.

Halim is the most expensive film to date in the arab world with an overall budget of USD 6 millions.

J’ai une vision parcellaire du film, du moins de la première moitié, car autant le dire tout de suite j’ai un peu sommeillé. Donc une trame simple, le cadre américain moyen d’un côté, avec sa fonction au sein de l’entreprise, le langage technique et lisse qui va avec ; et les Mexicains fraîchement émigrés de l’autre, pauvres, exploités, immédiatement incorporés par le système capitaliste, et affectés aux tâches les plus ingrates. Des petites saynètes de la vie quotidienne de ces gens-là, dureté de la vie des Mexicains, drôlerie un peu dissonante du cadre américain empêtré dans ses petites certitudes et sa petite morale. Il va découvrir un monde dont il ne soupçonnait jusqu’ici pas l’existence. Il s’aperçoit que dans les burgers dont il fait la pub, il y a de la crotte. Fast Food Nation lève le voile sur les processus très rationnels qui amènent à produire et commercialiser cette crotte. Evidemment, la posture du provocateur, qui fait rire et gêne en même temps. Mais on est un peu gêné tout de même, face à ce film abrasif mais pas trop, par moment trash (il faut bien choquer le bourgeois) mais presque toujours mainstream. Bref, je doute qu’on se souvienne de ce côté de l’Atlantique de ce film, trop tempéré et tiède pour véritablement atteindre sa cible.

Matthieu

Fiche du film (Festival de Cannes)

Site officiel

Difficile d’entamer la journée avec un film aussi pesant. D’emblée la petite histoire se met en place, avec ses personnages principaux, ses petits costumes, son petit cadre historique. Des Irlandais se soulèvent et prennent les armes pour combattre les Anglais qui occupent et sévissent sur leur sol. Nous sommes dans les années 20, et le destin d’un jeune homme talentueux promis à une belle carrière dans la médecine bascule subitement. Tout le reste du film est réglé comme une horloge suisse et se déroule sans anicroche. A force c’est rasoir. Trop appliqué pour pouvoir intéresser, trop sage, trop volontairement touchant. Il est des films qui se contentent d’être seulement de petits illustrés, et celui-ci me donne cette impression. Illustration du conflit entre Irlandais et Anglais, des injustices criantes, des hésitations dans le camp des resistants, des conflits internes, chaque idée à sa scène et tout s’enchaîne sagement. Parfois c’est vrai, une distance de dessine. Les personnages - irlandais ou anglais - dès lors qu’ils sont en escouade, ont un je-ne-sais-quoi de ridicule et de burlesque. Maigre compensation, tout de même, à un traitement par ailleurs très appliqué et sérieux. Barbant !

Matthieu

Site officiel du film

C’est la première séquence, les images se succèdent de manière heurtée, racontent une histoire sans cacher leurs ficelles. Un garçon et une fille, qui reçoit une lettre d’admission à l’université de Pékin, doit partir et forcément dire adieu, quitter son copain. Tout ça s’enchaîne de manière mécanique, presque trop. Et puis le plan-séquence se pose et change de visage. Là dans l’image se tient d’emblée quelque chose qui n’est plus de l’ordre de l’histoire. Ils baisent dans l’herbe une dernière fois, puis s’écartent l’un de l’autre un peu comme des étrangers. Voilà c’est fini. C’est dur. Juste là, on rentre dans une nouvelle dimension, l’histoire et son schéma un peu trop saillant se trouvent court-circuités. On touche d’emblée à la fulgurance. Première montée d’adrénaline, qui en annonce d’autres.

L’histoire d’une fille et d’un garçon, d’une bande autour d’eux, du je t’aime moi non plus, je te trompe mais je t’aime, on baise ensemble mais je te quitte, etc. etc. Rien que des histoires élémentaires, qui coulent de source et charrient allégrement leur poids de romanesque, de tragique, de mélancolie. Elémentaire cette envie, ce besoin de jouir et d’inventer simplement – qui n’en a jamais rêvé à 20 ans – une utopie à deux, une utopie de bande à part, loin de tout, qui va à l’essentiel. On trouve là la fougue et le désespoir d’un amour qu’on a déjà vu mille fois, mais qui – parce qu’il est conté de manière brutale, lyrique mais aussi bousculée, nous plonge dans une espèce de plaisir béa. Pas peur de dire que je marche, que dans l’excès de jeu et de plans, réside une profonde justesse. Dur d’expliquer ça, de faire parler cette certitude. C’est, comment dire, pas parce que cette fille nous parle, mais parce que perce à travers elle quelque chose d’une histoire vécue et restituée de l’intérieur. Non seulement ces personnages existent à l’écran, mais l’on sent que cette existence ne suffit pas, qu’elle déborde de tous les côtés, procède d’un passé encore ouvert, d’une mémoire toujours à vif, d’un désir étonnamment ardent, de tout ça à la fois, qu’elle est enfantée dans l’urgence et surtout la nécessité.

Alors bien sûr, d’autres dénonceront un certain maniérisme, pas mal de plumes qui volent dans le cadre, des vagues à l’âmes serrés de prés, des crises passionnelles. Evidemment. Mais aussi une construction un peu à la Wong Kar Wai, qui rappelle 2046 par son côté tarabiscoté et qui dans le même temps conserve une très forte unité à travers le voix, le monologue de cette fille, qui est un mélange de petits clichés et de subtiles pensées. Une actrice comme ça, qui pèse autant dans l’écran, habite en monstre un film qu’elle porte tout entier, une actrice comme ça existe c’est tout. Ni juste ni fausse, elle se contente de s’imposer de manière complètement arbitraire, qu’on aime ou non. Et puis de toute façon elle emporte la mise. C’est gagné d’avance.

Il faut revoir Summer Palace, aller puiser dans sa fougue, sa beauté et son amertume, accepter le parti pris d’une mélancolie toujours bousculée, malmenée par la petite et la grande histoire, brute et brutale. Accepter d’être balancé, de participer du grand vertige qui anime et porte tout le film.
Matthieu